Come Asfalto

Can't Touch this!

2012-01-30T17:56:00.004+01:00

Difficilmente parlo di serie tv da queste parti, un po’ perché non è la mia materia di competenza, un po’ perché in famiglia c’è già chi se ne occupa.

Ma se c’è una cosa che va detta e pure ad alta voce è questa: l’episodio pilota di Touch è il miglior pilota dai tempi di Lost (eccezion fatta, forse, per Breaking Bad). Potrebbe poi trasformarsi in una minchiata colossale dalla seconda puntata, non lo escludo, ma a conti fatti si tratta di una storia inattaccabile da ogni punto di vista.

La trama è tesa, misteriosa, avvincente: tutto funziona come il meccanismo di un orologio, dall’intreccio narrativo ai rapporti di forza tra i personaggi (seppur con qualche buonismo di troppo). L’hype cresce con l’incedere degli eventi e crea nello spettatore una dose di curiosità davvero fuori dal comune. Come in Lost, per l’appunto.

E come in Lost il rischio di accartocciarsi su sé stessa e perdere il filo degli eventi è dietro l'angolo. A preoccuparmi però è un'altra cosa: la storia che ci viene raccontata nell'episodio ha un inizio e una fine. Potrebbe essere un ottimo film, che non ha alcun bisogno di un "dopo". E proprio questo è il rischio maggiore in cui può incappare questa serie: se è ho ben capito lo schema delle puntate, ogni episodio ci racconterà di persone diverse, nuove concatenazioni e nuovi “casi”, come in Fringe o in un Criminal Minds qualunque. Tutto ciò, alla lunga e senza un progetto unitario a lungo termine, potrebbe divenire un susseguirsi di puntate una a ricalco, o quasi, dell'altra.

Temo che per scoprirlo dovremo aspettare la fine di marzo, nel frattempo continuerò a godermi questo piccolo gioiellino, cercando di coglierne ogni sfumatura.

Infine mi pare d'obbligo una menzione per un Kiefer Sutherland in splendida forma, capace di interpretare di nuovo un character del piccolo schermo senza farsi oscurare dall’ombra del suo personaggio più riuscito, il granitico Jack Bauer.

Che cosa vuoi che scriva? Di cosa vuoi che canti?

2012-01-27T14:52:00.002+01:00

La rubrica più seguita da me stesso continua, pertanto sturati gli occhi e apri le orecchie (o forse era il contrario?) e leggi quel che ho da dirti, ché qua potresti trovare altri gruppi del nuovo millennio che vale la pena ascoltare almeno una volta nella vita (e magari anche qualcosina di più).

Partiamo subito forte con gli Offlaga Disco Pax. Se ci fosse qua il mio amico Franz mi direbbe "Ma, Tom, il cantante non canta, recita... recita!" E in effetti non è posso dargli proprio torto... però, anche se non si tratta di un cantante nel senso stretto del termine, il leader di questo gruppo proveniente da Reggio Emilia ha un ottimo gusto nel raccontare delle storie e per farlo si avvale appunto di un non-cantato che si sovrappone a delle sonorità elettroniche pescate direttamente da sintetizzatori tipici degli anni ottanta. Eredi naturali dei CCCP, gli Offlaga Disco Pax ci descrivono la vita della provincia rossa della loro giovinezza, negli anni di piombo, incastrando politica a storie di quotidiana ordinarietà: questa miscela crea delle interessanti sonorità che bilanciano ottimi ritmi dance a momenti di intensità assordante.

Pezzi da ascoltare? Robespierre e Venti Minuti.

Rimaniamo nella zona dell’Emilia per partire alla scoperta dei The Death of Anna Karina, band post-hardcore (qualsiasi cosa diamine significhi) di Correggio… Dopo aver riso alla parola Correggio, ora andiamo avanti, per piacere. Pochi mesi fa è uscito il loro ultimo lavoro, Lacrima/Pantera ed è un lavoro dalla furia devastante: in giro dal 2002, questi cinque ragazzi confezionano oggi la loro migliore produzione. Pur passando a un cantato italiano, i TDOAK, continuano a esprimere tutta la loro potenza e anzi, risultano quantomai efficaci e diretti. A produrli il “solito” Giulio “Ragno” Favero del Teatro degli Orrori, band a cui inevitabilmente i TDOAK sono fortemente debitori.

Pezzi da ascoltare? Per scherzo e Sparate, sparate sempre prima di strisciare.

Spostiamoci ora dall’altra sponda dell’Italia, verso la Liguria per l’esattezza. Genova infatti è la patria di quei quattro signori che rispondono al nome di Ex-Otago. Giunti nel 2011 al terzo album, Mezze Stagioni, questo gruppo dimostra di essere finalmente maturato. E dopo le buone ma titubanti prove di The Chesnut time (2007) e Tanti Saluti (2009), tirano fuori un prodotto ottimamente registrato e suonato in maniera molto pulita e sempre capace di mantenere l’equilibrio tra una surreale ironia e una velata malinconia. Rappresentano sempre un ottimo ascolto per chi ha voglia di trascorrere una quarantina scarsa (forse meno) di minuti in piena spensieratezza.

Pezzi da ascoltare? Amato the Greengrocer e Costa Rica.

Dopo Genova, la prossima tappa è Roma, città natale de I Cani, un gruppo indie pop che ha stupito tutti con il loro sorprendente album d’esordio dello scorso aprile: una decina di pezzi orecchiabili e sufficientemente paraculi da poter passare sia nelle radio che rimanere all'interno della loro piccola cerchia di ascoltatori. I Cani sono hipster* che fanno musica hipster che prende in giro gli hipster, ovverosia quelle stesse persone che, per logica, dovrebbero rappresentare il loro pubblico principale. Non ti è chiaro? Beh, è molto più complesso spiegarlo che capirlo, basta guardare il video di Hipsteria qua sotto e avrai un’idea di ciò che intendo. E comunque, un gruppo che percula Vasco Brondi va stimato a prescindere.

Pezzi da ascoltare? Hipsteria e Velleità.

E da Roma scendiamo ancora più in giù, spingendoci fino ai limiti dell’universo conosciuto. Se per universo s'intende Cosenza, naturalmente. Dario Brunori, in arte ~~Rino Gaetano~~ ~~Lucio Dalla~~ ~~Francesco De Gregori~~ ~~Daniele Silvestri~~ Brunori Sas, è un cantautore italiano come non se ne sentiva da tempo. E se da una parte, i più astuti di voi avranno già intuito, assomiglia in maniera spudorata ad altri cantautori storici, dall’altra ha il grosso pregio di essere oggi una novità. Già perché Brunori Sas ci canta di un mondo passato molto più attuale che sembra: si può dire con assoluta certezza che le sue storie di poveri cristi, divisi tra cambiali, solitudine e storie d’amore perdute siano da legare al passato? No, non si può. E lui è un po' così, come la sua musica: datato, forse, ma assolutamente presente e reale. L’Italia di oggi ha bisogno di cantautori di questo stampo più che di moderni profeti dal lessico incomprensibile (e sì, Vasco Brondi, ce l’ho di nuovo con te.) e quindi ben vengano artisti come Brunori Sas, nostalgici ma onesti.

Pezzi da ascoltare? Guardia ’82 e Il Giovane Mario.

Ps. E chi non piange con Il Giovane Mario è un essere demoniaco.

*Chi sono questi hipster che in tanti schifano e sputano? Semplice, sono quelli che trovi il sabato sera all’Atomic Bar e la domenica mattina da California Bakery in piazza S.Eustorgio. Almeno per chi è di Milano.

Per tutti gli altri… Si tratta di quelli con i pantaloni striminziti che fanno foto artistiche con Instagram o Hipstamatic.

The Spirit in the Sky

2012-01-18T14:05:00.003+01:00

Cosa c’è di più divertente che essere una stella del porno? Beh, ad esempio essere l'inventore degli impresentabili titoli di film zozzoni in programma su Sky! Non ci credi, beh, allora dopo un breve previously delle puntate precedenti, cioè qua e qua, puoi proseguire nella lettura e scoprire così che non ci stavamo sbagliando.

E cominciamo questa terza avventura con un titolo favoloso, nel senso proprio che si tratta di una re-interpretazione di una fiaba della tua infanzia in chiave post-moderna, con sicuri (credici) richiami a una certa tipologia di racconto classico che… Oh, beh, insomma, Principesse col pisello.

Le Mamme degli amici. Ora, a memoria non le ricordo particolarmente avvenenti, ma mettiamo pure il caso che lo siano… Che razza di persona immorale e senza-Dio sarei se trombassi la mamma del mio migliore amico?!

Per tutti gli amici onanisti di Sky, da oggi c’è un nuovo rimedio! Infatti come recita l’antico detto cinese Chi non lo fa da sé, lo fa in tre e se la smetterete di lustrarvi il piffero, potrete gioire dell’amore di gruppo.

Ricordo che ai miei tempi, le mie compagnucce di classe delle elementari sognavano di diventare da grandi delle campionesse di pattinaggio, delle ballerine o delle giornaliste famose. Che ne è stato di quei sogni romantici? Niente. Infatti… Sono grande e adesso faccio i pompini.

Il lunedì di Pasquetta è un’ottima occasione per una sana mangiata e una bella gita fuori porta da qualche parte, approfittando magari della perfetta giornata di sole. Già, sarebbe davvero un’ottima occasione, sempre che non trovi qualcuno che… In riva al ruscello, ti succhio l’uccello.

È un periodo che sento di amici e conoscenti a cui sono entrati in casa. Mi sembra di essere tornato indietro quando, a cavallo fra gli anni ottanta e novanta, i furti nelle abitazioni erano all’ordine del giorno. Il motivo di questa nuova ondata di criminalità è forse dovuta a dei nuovi strumenti per i professionisti dello scasso? Probabilmente no, se stiamo parlando di… Piedi da porca.

E adesso un film complesso, carico di molti contenuti e riflessioni interessanti anche se apparentemente slegati fra di loro. Culetti gialli: pelosa? Meglio dietro! Sembra o non sembra un assurdo messaggio in codice?

Il tempo anche questa volta è tiranno ed è giunto il momento degli addii, anzi degli arrivederci. Ma non aver paura: tra un’incombenza e l’altra in agenda ci sarà sempre lo spazio per un nuovo appuntamento sporcaccione! Anzi, a proposito di agende fitte di impegni, credete che le casalinghe siano delle sfaccendate? E allora non avete visto Casalinghe con ogni buco occupato! Anche se forse, ripensandoci, non è alla loro agendina che si riferisce…

I think I'm a Mother

2012-01-17T12:50:00.000+01:00

Le cicatrici danno la sensibilità

2012-01-16T11:04:00.000+01:00

David ha appena quattordici anni quando finisce sotto i ferri per quella che gli viene detto essere una banale operazione di routine. Il bisturi, però, incide molto più di quello che crede e lo inciderà tanto nel fisico quanto nella mente: David al risveglio si trova un profondo solco lungo il collo, lungo 29 punti. Ma, soprattutto, David al risveglio scopre di non poter più parlare: la sua voce è ora spezzata, trasformata in un sordo rantolio. Cosa gli è successo? Qual è il segreto che proprio le persone che gli dovrebbero volere più bene, gli stanno tenendo nascosto?

Questa è la storia autobiografica di David Small, celebre illustratore e fumettista americano. Ho cominciato a leggere Stitches, questo il titolo del volume, edito in Italia da Rizzoli Lizard, senza nemmeno sapere che si trattasse di una storia autobiografica: l’ho capito solo durante la lettura. Devo confessare che faccio fatica a digerire quelle storie intimiste e melodrammatiche in cui gli autori raccontano tutto di sé, dal più insignificante dettaglio alla tragedia della loro esistenza. E invece la storia della tormentata adolescenza di David è appassionante come il miglior thriller o il miglior horror. La trama scorre alla perfezione, tesa e per nulla noiosa: non cade nella noia o nella pesantezza come molti romanzi autobiografici, ma anzi ti cattura e ti spinge sempre più a fondo, curioso di sapere cosa ne sarà di David. Tutti noi, chi più e chi meno, abbiamo le nostre storie alle spalle, i nostri traumi, le nostre paure: ma sapremmo raccontarle? Sapremmo raccontarle mantenendo quel giusto distacco emotivo che ci permetta di essere obiettivi nella nostra narrazione? Spesso e volentieri i nostri ricordi si deformano e si distorcono negli anni prendendo quella forma che inconsciamente siamo noi stessi a dargli.

La storia di David ci parla di una famiglia silenziosa, distante, dove il ruolo del padre padrone viene ricoperto invece da una madre fredda e indifferente la cui crudeltà assomiglia più a quella di un personaggio da film. Un personaggio, anzi, una persona controversa e imperscrutabile: divisa fra problemi fisici e un’incapacità di amare mai risolta, frutto a sua volta di un rapporto genitoriale (la nonna di David) complesso e doloroso. Un carattere che da una parte sembra inverosimile nella sua antipatia, dall’altra risulta ancora più inquietante proprio perché vero.

Il legame tra David e sua madre è un legame labile, ovattato, che nemmeno il cancro del ragazzo (quello per cui viene operato alla gola) riesce a consolidare: anzi ne contribuisce all’allontanamento. I due genitori, infatti, decidono di tenere all’oscuro il figlio sulle sue reali condizioni di salute e David solo con il tempo scoprirà cosa gli è accaduto. Schiacciato dal peso del diritto alla verità che gli è stato negato, David trova, a sedici anni, la forza per scappare, per tagliare il ponte con una madre a cui non sa se voler bene. Ed è proprio fuggendo dal proprio passato che David riesce gradualmente a ritrovare sé stesso e ritrovare la sua voce.

L’autore sceglie di raccontare la propria vita, le proprie memorie, con un tratto a pennino rigido e severo, affilato come la lama di un bisturi che intaglia le imperfezioni della carta: un bianco e nero dove i contorni delle vignette vengono lasciati a sfumare, mangiati dalle sfumature del grigio, esattamente come sono i nostri ricordi: evanescenti, privi di contorni, sfuggevoli come sogni. La madre è immortalata nella sua lugubre freddezza che sta tutta nelle lenti degli occhiali che, come muri di vetro, ci impediscono di vederne gli occhi, che si sa, sono lo specchio dell’anima.

E se tutto porta a pensare quanto David possa aver odiato la madre, e più in generale la famiglia, sono le note finali del libro, di cui non svelo nulla, a farci capire quanto sia grande e articolato quel pozzo di emozioni e sentimenti che l’autore ha trovato scavando dentro di sé per tirare fuori quest'opera generosa e liberatoria.

Meeting of the minds

2012-01-11T13:41:00.007+01:00

Psst, continua da questa parte!

Martedì. Giorno di riunione redazionale. Momento di grande condivisione e fonte di numerosi spunti e riflessioni sull'avanzamento dei nuovi progetti e della casa editrice.

A sort of.

Do It

2011-12-29T17:48:00.002+01:00

Malgrado le ottime premesse di inizio anno, questo 2011 da un punto musicale non è stato poi così ricco come credevo. Intendiamoci, ci sono state molte piacevoli sorprese, eppure ricordo altri anni nel recente passato in cui sono usciti DAVVERO dei dischi memorabili. Uno su tutti l’omonimo album dei Them Crooked Vultures, superband composta da Josh Homme, John Paul Jones e Dave Grohl. Vabbè, dopotutto si sta parlando del disco più bello degli ultimi dieci anni.

E parliamo quindi dell’ex batterista dei Nirvana che proprio dall’esperienza con un altro gruppo, ha tratto una nuova linfa vitale che esplode nell’eccellente Wasting Light, ultimo lavoro dei suoi Foo Fighters, uscito ad aprile. È un album che dimostra quanto questa band si sia risollevata rispetto alle opache prove di Echoes, Silence, Patience & Grace (2007) e In your Honor (2005) e sia tornata alla ribalta con maggiore convinzione, grinta ed energia. Dave Grohl, che sembrava francamente ormai bollito e adagiato su determinati standard, trova il suo pieno riscatto. Certo, il ritorno ufficiale di Pat Smear nella fila del gruppo (non accadeva da The Colour and the Shape) non è un caso.

Eppure Wasting Light non sale sul podio più alto del mio ipod di quest’anno per una virgola, anzi per un soffio. A strappare il titolo di miglior album del 2011 sul filo di lana sono i Bud Spencer Blues Explosion. Di questi due signori se ne era parlato qua. Do it, che Wikipedia ci informa essere l'acronimo di Dio Odia I Tristi, è il secondo disco della band: un album potente e trascinante fin dal primo ascolto che affida al brano d'apertura, Più del Minimo, il compito di incendiare le casse per farle continuare a bruciare fino alla fine del disco. Ne segue un lavoro maturo, completo, consapevole: limati i piccoli difetti, questo duo porta di un gradino più in alto la musica italiana per intera. Li si era accostati ai Black Keys: ebbene, con quest’album i BSBE li agguantano, mettendosi (quasi) alla pari. Già, perché il duo dell'Ohio con El Camino, uscito a novembre, non sono riusciti a eguagliare quel capolavoro di Brothers (in fondo Brothers è Brothers) e anzi fanno un mezzo passo indietro, anche se ciò non toglie che siano una delle migliori band in circolazione al momento.

Se i Bud Spencer Blues Explosion conquistano così la vetta, facendo scivolare al secondo posto i Foo Fighters, sul gradino più basso del podio ci sale invece Il Sogno Eretico di Caparezza. Nel corso della sua carriera, questo cantautore (perché, pochi discorsi, è un cantautore) è in costante crescita: ogni suo album ha superato il precedente e anche questo non fa eccezione, eseguendo un lavoro di analisi chirurgica, amara e tristemente ironica sull’Italia di oggi.

Bene. E il pezzo ti stai chiedendo? Beh, il pezzo dell’anno è Il giovane Mario, di ~~Rino Gaetano~~ Brunori SaS, ma di lui e di qualche altro gruppo italiano di quelli da sentire almeno una volta nella vita ne riparliamo fra qualche giorno. Promesso.

Here come the Storms

2011-12-02T15:05:00.004+01:00

The Chesnut(t)s time

2011-11-30T12:20:00.003+01:00

È il 1964 quando a Jacksonville, Florida, nasce Vic Chesnutt: il bambino di lì a poco tempo viene adottato e si trasferisce con la sua nuova famiglia a Zebulon, in Georgia. Vic non è un bambino come tanti, a cinque anni comincia a comporre le sue prime canzoni e a tredici si dichiara ateo, una convinzione, questa, che non cambierà mai nel corso della sua vita. L’adolescenza di Vic è turbolenta, beve molto e proprio a causa di un eccesso di alcool, a diciotto anni la macchina di Vic perde il controllo sotto le sue stesse mani sbandando e terminando quindi la sua violenta corsa dentro un canale.

Le conseguenze per Vic sono drammatiche e lasciano poco spazio alla speranza. Vic dovrà trascorrere il resto della sua vita su una sedia a rotelle: i suoi arti inferiori sono paralizzati e ha grandissimi problemi anche alle mani, che muove a fatica. Segue un lungo periodo di degenza Vic riesce ancora a muovere qualche parte del suo corpo. Anzi. Riesce a fare persino di più: Vic capisce di essere in grado di suonare la chitarra, seppure si tratti solamente di semplici accordi. Nel tentativo di risollevarsi dal buio in cui è precipitato prende la decisione di trasferirsi ad Athens, per seguire quel sogno di bambino che quel dannato incidente ha azzannato con tanta ferocia. Comincia a leggere molti libri di poesia, da Whitman a Emily Dickinson, ma soprattutto Stevie Smith; queste letture risulteranno poi fondamentali nella struttura delle sue liriche e nelle stesse composizioni musicali, spoglie (in parte dovute anche alla scarsa motilità delle mani) e dirette. Ad Athens si unisce immediatamente alla band dei La-di-das con cui però ha poco successo, infatti un pugno di anni dopo, il gruppo si scioglie; ma Vic continua a suonare, infatti lo si può trovare spesso al 40 Watt Club, ed è proprio lì che lo trova un certo Michael Stipe. Lo stesso Stipe da anni ai primi posti delle classifiche musicali con i suoi R.E.M: il cantante si innamora a tal punto della voce e delle canzoni di Vic che ne diventa il produttore. Escono così nel 1990 il primo album, Little, e l’anno successivo, West of Rome, opera seconda del cantautore.

Sembra andare tutto per il verso giusto, nel 1992 la PBS decide di girare un documentario dal titolo Speed Racer sulla sua storia: fa persino una fugace apparizione nel film Sling Blade di Billy Bob Thorton. La vita sembra sorriderti, finalmente, eh, Vic? E allora cos’è quell’animo oscuro che ti porti dentro? Quel peso che ti stringe il petto di notte, così forte da non farti più respirare? Malgrado l’alcool abbia guidato Vic dentro un canale, quello stesso alcool è quello di cui il cantante non può proprio fare a meno. Insieme all’abuso di droga, diventa un vizio, un’ossessione: le registrazioni del terzo album in studio avvengono tutte in stato di ubriachezza. Non a caso il titolo del disco, uscito nel 1993, è proprio Drunk. In quel periodo a un suicidio fallito, si contano almeno un altro paio di tentativi andati a vuoto: l’unico sollievo deriva dall’assunzione regolare di marijuana: Vic diviene forte sostenitore del consumo a scopo terapeutico di tale droga e insieme all’amico Scott Stuckey scriverà Weed to the Rescue, un pezzo il cui ricavato va alla NORML, organizzazione americana che s’impegna nella liberazione delle droghe leggere. I problemi legati all’alcolismo sembrano risollevarsi ma per un guaio che va, uno ne arriva. Nella fattispecie si tratta di problemi finanziari: le spese mediche dovute alla sua condizione sono troppo alte da sostenere così un pugno di artisti si riunisce per dare alle stampe il disco tributo Sweet Relief II: Gravity of Situation, i cui proventi vanno alla Sweet Relief, un’associazione che si occupa, come nel caso di Vic, di musicisti in difficoltà. Il disco contiene delle cover dei pezzi di Vic, realizzate da superstar del firmamento musicale dai R.E.M., agli Smashing Pumpkins, dai Garbage a Madonna. Tutti uniti per salvare Vic.

La maggior notorietà portata quest'album in termini di pubblico, fa ritrovare a Vic un nuovo entusiasmo che lo vede collaborare con molti gruppi, in particolare quella con i Widespread Panic, band di Athens, con cui incide due album, scrive diverse canzoni e appare nel video di Aunt Avis, girato anche questo da Billy Bob Thornton. Tra il 1998 e il 2007 la sua carriera di cantautore malinconico che usa quei quattro accordi prosegue tra album solisti e altre collaborazioni: dal disco registrato con i Lambchop, a quello in collaborazione con Tina, la sua ex-moglie, fino all’album North Star Deserter che lo vede insieme a Guy Picciotto dei Fugazi, storica band post hardcore a cavallo tra anni ’80 e ’90. Nel 2009 esce il suo nuovo album, At the Cut, e sempre nello stesso anno suona un pezzo nell’album Dark Night of the Soul dei Danger Mouse e Sparklehorse. Per quanto sembri andare tutto alla grande, Vic ha ancora parecchi problemi economici: ci sono almeno cinquantamila dollari non coperti per alcune operazioni chirurgiche. Sembra folle, eppure senza un contratto discografico a cui aggrapparsi, la sua quadriplegia parziale lo rende non assicurabile. Una beffa del sistema sanitario americano che lo vede senza un dollaro in tasca e con il rischio di perdere un rene.

È il 21 dicembre 2009 quando Vic scivola in coma, in seguito a una massiva dose di farmaci rilassanti muscolari: da quel sonno dolce e silenzioso, Vic non si sveglierà mai più. Sono le 14:59 del giorno di Natale. Per chi l’ha sentito suonare, per chi ha rappresentato qualcosa è una perdita dolorosa, troppo fresca per non fare ancora male. Di lui oggi ci resta quell’ironia nera che solo poche persone sanno padroneggiare: uno dei suoi ultimi brani (presente in At the Cut) è Flirted with you all my life, un’immaginaria (?) conversazione con la Morte.

“Ho flirtato con te per tutta la vita, ti ho anche baciata una o due volte finora, e giuro che è stato bello, ma evidentemente non ero pronto”.

Non fino a quel 25 dicembre 2009, quando la Morte si è portata via quell’anima romantica e decadente che aveva guardato l’abisso ricambiandone lo sguardo con la dignità di chi sa quando arrendersi.

Cross out the Eyes

2011-11-29T17:18:00.002+01:00

Quando ho saputo che la graphic novel del Cacciatore di Aquiloni è stata nominata tra le migliori graphic novel nella categoria fiction dalla YALSA, la Young Adult Library Service Association, me la sono fatta letteralmente nelle mutande. Vedere un lavoro di cui ho scritto la sceneggiatura (si tratta di un adattamento di un altro, chiaro, ma questo non sminuisce il prodotto) di fianco di gente come Brian Michael Bendis, una delle mie più grandi fonti d'ispirazione, mi commuove in maniera sincera. Lo so, non si tratta dell'Eisner Award, ma nemmeno Roma è stata costruita in un giorno. Forti abbracci e pacche sulle spalle ai miei compagni di avventura, Fabio e Mirka!

La Fine del Giorno

2011-11-24T13:29:00.003+01:00

Si diceva più o meno a quest’altezza di gruppi italiani del nuovo millennio che vale la pena ascoltare (magari poi scriviamo di qualche altra band, va bene?).

Nell’elenco sono presenti anche i Miriam in Siberia e si diceva, sempre in quella sede, che il secondo album sarebbe stato indubbiamente importante per stabilire la loro qualità effettiva.

Ebbene, grazie ai potenti meccanismi della rete, sono stato contattato da Costantino, batterista dei MiS che mi ha gentilmente mandato il disco, Vol. 2, che si fregia di una splendida copertina di Lorenzo LRNZ Ceccotti. E allora andiamo ad analizzarlo: ci tengo a precisare che non sono un esperto di musica, né un tecnico quindi potrei anche dire delle grandissime meeenchiate. Seguo semplicente un gusto personale e per me la faccenda si chiude qua.

Come apprendo dal comunicato stampa, tra le fonti di ispirazione nella scrittura dell’album vengono citati (tra gli altri) Black Keys e Pontiak, due miei gruppi di culto assoluto, soprattutto i primi che nella mia personale classifica asfaltica occupano il primo posto come miglior album del 2010 (Brothers). Sempre nel comunicato stampa si parla di un viaggio psichedelico ‘anni 70 e in effetti quando premo il tasto play dell'Ipod, la sensazione è quella di partire sul serio per un viaggio ipnotico che comincia con il riff di chitarra distorta potente e lisergica di Moog Stomp. Così come per tutto il resto dell’album alla musica fa da contraltare una voce difficile da spiegare. È una voce a tratti quasi respingente, nel senso buono del termine: una voce che si slega dai suoni e va ad affondare i suoi colpi migliori contribuendo a dare un’atmosfera straniante ma magnetica allo stesso tempo. Gli otto pezzi che compongono il disco sono fluidi, si insinuano uno dentro l’altro, dando davvero l’impressione di essere in viaggio e anche la stupenda “I Fiori di Eleusi”, canzone più intimista dell'album, riesci a integrarsi bene.

Dell’influenza dei Black Keys a dire il vero non si sente molto, forse qualcosa alla batteria, ma più l’ascolto più mi vengono in mente (e non so bene per quale motivo) i Ricochets, trio norvegese misconosciuto di qualche anno fa di cui credo di essere l’unico in Italia a possedere i cd originali dei tre album pubblicati. E questo, almeno per me, non è affatto un difetto. Anzi.

Vol. 2, uscito lo scorso 15 novembre, è un lavoro solido, compatto, “cazzuto”, che mostra tutti i passi avanti fatti dai MiS e che credo, malgrado tutto, continuerà a portarsi dietro degli inevitabili paragoni con Verdena e Marlene Kuntz; ciononostante stanno trovando una loro identità ben delineata, a cominciare da un suono decisamente più esterofilo rispetto ai già citati Verdena e Marlene Kuntz. Forse cantare solo in inglese potrebbe pagare di più. Spendo giusto due parole per la qualità della produzione: chiacchierando via mail con Costantino mi faccio spiegare che il disco è stato registrato su una bobina analogica, spedita quindi a uno studio a New York, dove è stato masterizzato su cd e vinile.

In soldoni cosa vuol dire? Vuol dire che si tratta di un'autoproduzione. E a giudicare da come suona sulle mie cuffie Bose (di cui Sì, sono molto fiero), si tratta di autoproduzione di qualità. Mai come in questo senso gruppi e fumettisti emergenti trovano dei punti di contatto: con un mercato globale al collasso e due mercati (quello musicale e quello dell’editoria) che vacillano, pensare di autoprodursi mantenendo degli standard qualitativi discreti non è così folle o dispendioso come lo poteva essere anni fa.

Tiriamo le somme: Vol.2 è indubbiamente uno degli album italiani più interessanti dell’anno, ora non resta che un ultimo, personalissimo, banco di prova: l’esperienza live.

A quando un bel concerto, qui, tra le nebbie milanesi?

Pezzi da ascoltare? La Fine del Giorno e Fede e Ragione

Something to talk about

2011-11-24T12:13:00.005+01:00

Ringrazio tantissimo, ma proprio ma tantissimo, Stefano Balbo, che lo scorso 2 di novembre, in occasione della presentazione a Torino della graphic novel de "Il Cacciatore di aquiloni" mi ha voluto incontrare per una piccola, ma davvero interessante, intervista per Onde Quadre, senza capire che non sono altro che un cialtrone.

In ogni caso, l'ho già detto che lo ringrazio tantissimo? E che l'intervista è proprio interessante?

E allora cosa aspetti a cliccare esattamente su questo puntolino QUA?

Einstein on the Beach

2011-11-22T12:53:00.006+01:00

Ieri sera, 21 novembre, nella squisita cornice del Teatro Dal Verme di Milano si è tenuta la conferenza stampa di John Lasseter, autentica mente dietro i più grandi successi animati targati Pixar. Ieri, cercando di immaginare che tipo di persona fosse Lasseter, mi ero creato in testa l’immagine di un uomo che entra in una stanza e riesce a calamitare l’attenzione generale pur senza fare nulla: una di quelle persone che involontariamente attirano un certo interesse, contornate da un’aurea misteriosa. E invece quando ieri sera, verso le nove e un quarto circa, John Lasseter si presenta sul palco, tutti noi ci troviamo davanti una persona assolutamente normale, con un gusto nel vestire da classico turista americano fregnone con macchina fotografica e pantaloncini testicolari che vedi in piazza S.Marco o tra i Fori Imperiali. Insomma, un cinquantenne assolutamente normale. Ed è proprio questa sua normalità che contrasta con la sua storia: una storia fatta di successi, di idee innovative, di magie animate. Nel corso delle due ore di “lezione”, Lasseter ci parla dei tre capisaldi che rendono un film Pixar, un film Pixar.

La storia. I personaggi. Il mondo circostante.

Alla base di tutto, ovviamente ci deve essere una buona storia: un racconto solido, che sia credibile per chi lo guarda. Attorno a questo nocciolo, viene poi aggiunto un “contorno” di situazioni e gag che nascono nel corso della realizzazione. In questo senso, l’apporto degli story artist, degli storyboarder risulta fondamentale: questa è la fase più “artistica”, più creativa, in cui ognuno dà il suo contributo per dare l’anima alla storia e di conseguenza all’intero film. Questo ci porta dritti dritti al secondo punto: i personaggi. I personaggi devono essere accattivanti: è chiaro, detta in questi termini suona come una banalità (e in effetti lo è.), eppure non bisogna dare per scontata questa regola. La creazione di un personaggio che funzioni bene sullo schermo non è cosa semplice: è un processo complesso che passa attraverso tutta una serie di rifacimenti continui. “Be wrong as fast as you can.” Dice Lasseter. Perché prima avrai sbagliato, prima lo rifarai un’altra volta. E un’altra ancora. E un’altra ancora. Fino a che non ti ritroverai per le mani il personaggio giusto.

Ma storia e personaggi non possono vivere al loro meglio, senza essere calati in un mondo che susciti meraviglia e stupore nello spettatore. Come si nota dalla visione del primo corto in assoluto della Pixar, Luxo Junior, tutto quello che viene inquadrato è lo scorcio di un tavolo: non ci sono movimenti di macchina, non c’è background. C’è solo una base di appoggio per i personaggi: il risultato è una storiella divertente, senza dubbio, ma che paga la scarsità di mezzi realizzativi (si parla del 1986!). Con l’evoluzione della tecnologia, si è stati in grado di comporre dei fondali sempre più ricchi e complessi: ma tutta questa ricchezza non deve mai risultare fine a sé stessa. Dei fondali iperrealistici sono buoni solo per i fan di Norman Rockwell; no, quello che rende magico un mondo è la sua capacità di emozionare. E come fare, quindi? Naturalmente con colori, atmosfere, sensazioni e suggestioni. L’aspetto cromatico assume una valenza tanto importante quanto “inconscia”: facciamo un piccolo esempio. In Wall•E lo stupore principale del nostro robottino sono gli occhi di Eve. Per quale motivo? Perché è la prima volta che lui (e noi con lui) vede il colore blu. Il pianeta terra, sporco, inquinato, lasciato al totale abbandono vive di una monocromia di colori caldi: una vasta gamma dai marroni agli aranci. Lo stesso Wall•E si (con)fonde con l’ambiente e quando entra in scena Eve, con i suoi occhi blu, cambia tutto. Porta sullo schermo una novità cromatica che non esisteva e che stravolgerà la vita del protagonista. In quanti abbiamo fatto caso a questo aspetto? Nessuno, credo. Eppure era sotto gli occhi di tutti noi, era lampante, ma nessuno l’ha notato. L’abbiamo percepito a livello emotivo, sicuramente: ci ha fatto scattare una lampadina in testa, ma non avremmo saputo dire il perché.

Ed ecco in quale modo il mondo attraverso cui si muovono i nostri eroi animati prende letteralmente vita, diventando uno dei protagonisti silenziosi del film.

Passate due orette, così come era entrato John Lasseter si congeda, in modo semplice, normale, come un turista contento delle sue foto ai monumenti italiani. Credo che il suo più grande merito, oltre a quello di essere un’artista con delle idee assolutamente brillanti e originali, sia stato quello da sapersi circondare dalle persone giuste: mi spiego meglio. È vero, da una parte aveva il supporto tecnologico dell’amico Jobs, ma dall’altra ha saputo riunire sotto lo stesso tetto un numero di artisti davvero incredibili. I migliori character designers, i migliori disegnatori di fondali, i migliori sceneggiatori, sono tutti passati di lì e ognuno ha messo il suo mattone in quel monolito che è adesso la Pixar. Un’azienda sana, che si basa sui suoi artisti per ottenere dei risultati, non un’azienda in cui gli artisti sono trattati da operai (come vedo qua in Italia). E questa non è cosa da poco.

In chiusura viene proiettato in anteprima totale globale mondiale un nuovo corto di Toy Story, spassoso, a tal punto che vorrei subito ora immediatamente un Toy Story 4.

Tutti felici, tutti contenti? Nient’affatto. Perché ora si passa al mio lato polemico. Perché di cose che non mi sono piaciute ce ne sono state un bel po’.

Cominciamo dall’organizzazione. Pessima. Sotto ogni punto di vista: una folla era già radunata dalle sette fuori dal teatro (l’evento era previsto per le nove) e prima delle otto non sono state aperte le porte. Anzi, la porta. Già. Perché per permettere un “afflusso controllato”, delle sei porte disponibili, né è stata aperta solo una che faceva passare 10 persone alla volta. Questo ha portato a un pericolosissimo effetto a imbuto, con gente che spintonava a destra e a sinistra (malgrado i numerosi avvisi che sarebbero entrati tutti e che non c’era motivo di spingere). Dopo un quarto d’ora buono di spinte e sodomie da vagone della metropolitana all’ora di punta, si entra a teatro. Dove si fa una seconda fila per ritirare il proprio biglietto: per assistere alla conferenza stampa bisognava registrarsi su internet e ottenere così il proprio invito. Ma ci sono diverse code: quella per chi ha prenotato nel mese di ottobre, quella per chi ha prenotato a novembre, quella di chi non si è ancora registrato, e quella per la stampa. Risultato? Il Caos.

Gente che minaccia di chiamare la polizia e denunciarli (mah…), gente che sbaglia la fila, gente che urla, si lamenta, gente che frega il biglietto di altri… Solo per scoprire che all’ingresso in sala, non controllavano nemmeno se avevi il biglietto o no!

Sopravvissuti, con relativa facilità, a questo ingorgo decidiamo di prendere le cuffie per sentire in presa diretta le parole di Lasseter in italiano lasciando in deposito un documento d’identità. E va bene, conosco l’inglese, ma prendiamole lo stesso, sia mai che mi perda qualche passaggio.

Peccato che all’uscita si formi questa calca inumana di gente che reclama la propria carta d’identità/patente/tesserasanitaria: quattro persone contro quattrocento solo con un tavolo Ikea a dividerle. Anche in questo caso vengo ripetutamente abusato, al punto che quando mi ritrovo piegato a novanta sul tavolo delle cuffie, ne chiedevo ancora. E anche in questo caso urla, schiamazzi, documenti perduti (“signora, SE le ritrovo il documento, glielo spedisco a casa domani…”) e scene indegne persino per i Flintstones.

Che l’affluenza sarebbe stata massiva lo si era intuito da giorni, perché non sono state prese delle contromisure? Eravamo almeno 1500 persone (anche se la questura dice 15. E la sinistra dice un milione e mezzo) in un teatro che ne contiene poco più di 1400. Gente seduta a terra, alla faccia di qualsiasi norma di sicurezza, gente che è rimasta fuori, pur essendosi registrata… insomma un disastro sotto tutti i punti di vista.

E ora proseguiamo questo luuuuunghissimo post con un altro paio di critiche e qualche aneddoto divertente.

- La conferenza/lezione di Lasseter è stata indubbiamente interessante, certo, ma sicuramente non è niente di più di quello che si può trovare in un qualsiasi “Making of”, che ogni appassionato/addetto ai lavori sicuramente possiede, o in dvd o in cartaceo. È un’esperienza che non mi ricapiterà più e forse proprio per questo mi sarei aspettato qualcosa di più approfondito, ma mi rendo conto che probabilmente non era quello il contesto giusto. Per qualsiasi studente di fumetto/disegno/animazione invece è stata una lezione da non dimenticare.

- A inizio serata sale sul palco il presidente della Regione, Roberto Formigoni: si spertica in un lungo discorso che tira in ballo le grotte di Lascaux e una serie di frase retoriche da bar. In conclusione di questo discorso, Maria Grazia Mattei, organizzatrice dell’evento, ci ricorda che siamo in streaming con mezzo mondo e che voi da casa potete far sentire la vostra voce tramite i social network.

Ed è così che sul maxischermo alle sue spalle appare la pagina di Twitter con l’ultimo commento appena lasciato da un utente: “Formigoni? Che tristezza”. Nemmeno la Mattei riesce a trattenere una risata.

- Le domande del pubblico a Lasseter a fine conferenza. Francamente imbarazzanti: su quattro interventi, tre volevano sapere come si fa a entrare in Pixar.

Solo con l’ultima risposta, Lasseter mi fa vedere un po’ di più di quel turista americano in visita a Milano che appare. Con un discorso in cui si sente tutta l’influenza che Steve Jobs ha avuto su di lui, ci spiazza un po’ a tutti. Dice qualcosa del genere “tutti voi qui dentro avete un Mac oppure un Iphone – sarà di parte ma è vero – con cui potete realizzare dei video, che potete caricare su internet e renderli pubblici. Non avete una sola scusa per non realizzare i vostri sogni. Lo dovete semplicemente fare.” E sarà pure banale, ma diavolo, quanto è vero.

Big Yellow Taxi

2011-11-18T11:49:00.003+01:00

Continuando a copiare imitare trarre ispirazione da Anthony Holden, oggi ho fatto questo disegno.

The Day I tried to live

2011-11-16T14:17:00.006+01:00

Il mio amico Franz è il più grande esperto in materia cinematografica che io conosca, ha una cultura in materia che a volte quando ci parlo mi fa a sentire a disagio, io che conosco a malapena Quarto Potere. Sta di fatto che qualche mese fa, all’inizio dell’estate, si riscopre interessato al mondo dei comics così mi chiede consiglio su quale romanzo a fumetti possa leggere (ha da poco scoperto V for Vendetta e lo ha adorato). Avrei potuto dire subito Watchmen o Contratto con Dio o altre pietre angolari del fumetto e invece...

Così, senza pensarci, a bruciapelo, ho detto “…Daytripper.”

Daytripper, edito a inizio anno dalla Planeta DeAgostini, è interamente scritto e disegnato dai gemelli Fábio Moon e Gabriel Bá, di cui si era parlato, o almeno si era parlato di uno dei due, a queste coordinate. Si tratta di un’opera monumentale, vera e onesta, scritta con sincerità e senza alcuna pretesa di rivelare chissà quale verità universale suddivisa in 1o capitoli, che narra con estrema cura la vita dello scrittore di necrologi Brás de Oliva Domingos focalizzando l’attenzione sui suoi momenti più importanti: però se è vero che ogni giorno si muore un po’ di più, mai come nel caso di Brás questo assioma prende forma. Infatti ogni capitolo ci viene presentato come se quel momento fosse l’ultimo per il nostro protagonista. Infatti al termine di ogni singolo episodio Brás muore. Saltando temporalmente dalla sua infanzia, passando dalla giovinezza per arrivare fino alla vecchiaia (anche se la storia non segue necessariamente quest’ordine cronologico), i fratelli Moon e Bá si immergono nella vita del loro protagonista penetrando così nel profondo della sua essenza al punto in cui ci si ritrova davanti a una persona autentica e non al personaggio di un fumetto. Ci si dimentica insomma di trovarsi in un mondo immaginario, ma di essere lo spettatore di una vita umana, vera, di un qualcuno che finisci per conoscere così bene da riconoscerti in lui. Brás non è un miliardario che di notte veste un costume da pipistrello, non è un esploratore che gira per il mondo in cerca di tesori, non è un demone alle prese con minacce sovrannaturale. Brás è “solo” un bambino, un ragazzo, un uomo, un anziano come tanti altri, come te. Moon e Bá prendono tutto ciò che di buono avevano cominciato con De:tales (Dettagli - Storie dal Brasile metropolitano – Edizioni Comma 22), loro prima opera, e proseguono il loro percorso di autori dimostrando di saper trattare la materia “umana” nella maniera più sincera e onesta possibile. I due gemelli brasiliani infondono tutto il loro amore per il fumetto e per il gusto di raccontare l’animo umano, con una sensibilità leggera e una naturalezza che solo un grande maestro come Will Eisner era stato in grado di dare ai suoi personaggi. Lontani da quel forzato e artefatto autorialismo vagamente snob tipico del fumetto italiano, Moon e Bá a tratteggiano con dolcezza e poesia il quadro di una vita: i protagonisti di Daytripper sono così terribilmente onesti che i loro sogni, le loro aspettative, le loro angosce verso il futuro e i rimpianti di ciò che si lasciano alle spalle, le loro illusioni, i loro desideri, i loro dolori sono esattamente i nostri. Brás è così terribilmente vero e umano da far quasi paura. E viene quindi naturale fermarsi a riflettere su sé stessi, sul proprio passato e sul futuro: ad esempio cosa sarebbe successo se da bambino anziché prendere una leggera scossa per aver messo le dita nella presa, fossi morto? Quanti dei miei sogni sarebbero morti prima di realizzarli se morissi oggi, o fra sei anni, oppure fra venti?

Pensieri del genere li ho più o meno tutte le volte che prendo un aereo. Se l’aereo cade, io rientrerò in quel numero di vittime che si sentono al telegiornale, ma il mondo non saprà mai quali erano i miei sogni, le mie speranze. E io cosa ho fatto finora per realizzarle? Realizzarle davvero, intendo. Così ogni volta che scendo dall’aereo sano e salvo, ringrazio un Dio in cui non credo e mi riprometto di impegnarmi di più. Almeno fino al prossimo volo. Ed è in questo senso che Daytripper diventa il racconto delle seconde opportunità: vediamo come sarebbe stata la vita di Brás se fosse vissuto fino a 28 anni, ma anche quello che gli sarebbe accaduto fino ai 41, oppure ai 53, o addirittura solo fino agli 11. In questo libro c’è tutto ciò che passa in mezzo a questa vita in cui passiamo i giorni riempire i nostri cassetti di speranze, calzini, piccole vittorie e grandi sconfitte, preservativi nascosti, passioni, sentimenti, ansie irrisolte, ricordi e qualche batuffolo di polvere. Daytripper è amaro come solo la vita sa essere, è malinconico, forse triste, ma è anche quella lucina calda che alla fine della giornata, dentro al letto con il silenzio attorno e il cuore che ti rimbomba nel petto, ci scalda l’animo e ci dà conforto.

Ah, dimenticavo… Franz mi ha scritto un mese più tardi. Era per ringraziarmi di avergli consigliato questo libro. E chissà che magari fra qualche anno non tramanderà questo libro anche alla figlia che ha avuto da poche settimane, dopotutto abbiamo imparato che le nostre vite si possono fermare in ogni momento, ma la Vita, quella vera… beh, quella va avanti.

Musica di sottofondo? The Smashing Pumpkins - Mellon Collie and the Infinite Sadness

He's the one who likes all our pretty songs...

2011-11-11T14:27:00.006+01:00

...And He likes to sing along and He likes to shoot his gun, but He knows not what it means.

Ispirato dal lavoro di Anthony Holden, oggi ho disegnato questi.

E a me piacciono.

There is a light that never goes out

2011-11-09T13:12:00.004+01:00

...E quella luce è quella degli Smiths di cui si è detto e scritto tanto, ma così tanto che qualsiasi cosa dovessi aggiungere io, sarebbe quantomeno ridondante: limitiamoci a dire che, come dice il mio amico Giuseppe, sono degli dèi.

Hanno influenzato la musica moderna al punto tale che oltre la metà dei gruppi indie attuali, siano essi britannici o americani, ne sono debitori oltre ogni misura. Per non parlare poi di quanti dei loro pezzi siano finiti come colonne sonore di film e serie tv di qualsiasi sorta.

Ma vista tutta questa influenza, proviamo a capire quali sono state le cover più belle venute fuori negli ultimi vent’anni della stratosferica band capitanata da Morrissey... Proviamoci, magari partendo da uno dei pezzi che ti hanno da sempre emozionato duro, più o meno da quando l’hai vista la prima volta al cinema, quando prima del film davano questa pubblicità.

Si sta parlando, ovviamente, di “Please, please, please, let me get what I want”: di questa canzone sono stati in tanti a riproporla, la più recente, mi pare, dai Clayhill, nella colonna sonora dell’intenso This is England…

Ma la versione che preferisco è in assoluto è quella dei Deftones: ascoltala e torna qua.

Un altro pezzo di quelli che ti fanno salire su la pelle di cappone è “This Night has opened my Eyes”, rivisitata da quei mostri di bravura degli At the Drive-In. Cedric Bixler Zavala è l’unico la cui voce disperata può davvero competere con il buon Morissey: ascoltala e torna qua.

Deftones, At the Drive-in, molto bene. Ora però cambiamo genere e passiamo al progetto solista di Mike Kinsella, Owen. Kinsella, dei Joan of Arc, acchiappa “Girlfriend in a Coma” e ne toglie tutta la venatura velatamente ironica dell’originale trasformandola in una ballad acoustica perfetta per una colonna sonora da telefilm in un momento commozionante: ascoltala e torna qua.

E sempre in tema di acoustico, non si può non citare la cover della stupenda “The Boy with the Thorn in his Side” di quel vecchio cavallo pazzo di J Mascis, cantante e chitarrista dei Dinosaur Jr. Ascoltala e torna qua.

Mentre ci avviamo rapidamente alla conclusione, ci si imbatte nella cover di “Some girls are bigger than others” che porta la firma degli scapestrati anni ‘90 d’Inghilterra, i Supergrass.

Ascoltala e torna qua.

Tratte dallo stesso album, un disco tributo del 1996, vanno segnalate la cover di “Vicar in a Tutu” dei Therapy? e “Bigmouth strikes again” dei Placebo.

Ascoltale qua e qua e… oh, beh, in realtà queste erano le ultime. Comunque se ti interessa un elenco completo di chi ha coverizzato cosa, allora corri diretto a questo bel link qui!

E con questo è tutto. Almeno, credo.

Nothingman

2011-10-31T14:24:00.004+01:00

Con colpevole ritardo mi sono ritrovato la scorsa estate a leggere tutta insieme, tutta di seguito, la serie di 75 numeri di Y: The Last Man ripubblicata di recente da Planeta DeAgostini, dopo la prima edizione della Magic Press. Scritta da Brian K. Vaughan e disegnata da Pia Guerra, questa serie è iniziata nel 2002 e si è conclusa nel già lontano 2007.

Cominciamo da un rapido accenno al plot iniziale: senza alcun (apparente) motivo nel giro di pochi secondi tutte le creature di sesso maschile, quindi uomini e animali, vengono sterminati da una sorta di virus (?). Gli unici a sopravvivere sono Yorick Brown e Ampersand, la sua scimmia cappuccino. Con questi presupposti prende il via una trama intricata, in cui in un mondo di sole donne, Yorick si troverà a intrecciare il proprio destino con quello di 355, agente segreto del Culper Ring, e quello della scienziata Allison Mann. Y: The Last Man è senza dubbio una delle serie a fumetti più interessanti degli ultimi tempi che, pur senza raggiungere le vette stratosferiche di The Walkind Dead o DMZ, si dimostra un perfetto prodotto di intrattenimento carico di misteri, avventure e un sacco di quei bei cliffhanger che ti piacciono tanto. Il protagonista e la sua spalla, la scimmia, funzionano alla grande: il primo, giovane escapista un po’ sfigato con grossi problemi di auto-stima e il secondo, animaletto dispettoso e con grossi problemi scatologici. I due fanno da perno in un mondo di donne in cui c’è chi sopravvive, chi si adatta, chi trova migliore un mondo senza uomini, e chi cerca a tutti costi una salvezza per il genere umano. Salvezza rappresentata da Yorick: chiamato a “ripopolare” il mondo, ma a cui invece interessa unicamente ritrovare il suo amore, Beth, che nel momento del genocidio maschile, si trovava nel deserto australiano di Ayers Rock.

Brian K. Vaughan riesce nel difficile compito di tratteggiare personalità femminili credibili e per nulla scontate, introducendo nelle sue storie temi controversi come la clonazione, cui inevitabilmente si legano problemi di etica e morale: si parla però anche di religione, di amore, di rapporti famigliari, di guerra e di sesso. Nel complesso i meccanismi della storia girano molto bene fino alla conclusione, per quanto inizialmente vengano introdotti alcuni elementi di carattere sovrannaturale (?) che poi vengono invece tralasciati nel corso delle vicende. C’è un tipo di narrazione tutta televisiva, fresca e attenta a creare il giusto hype in attesa del colpo di scena di fine episodio: Y The Last Man sarebbe una perfetta serie tv, con Zachary Levi come protagonista. E non lo cito a caso, il buon Chuck, visto che nella sua stanzetta da nerd campeggia proprio un bel poster di Y: The Last Man. E che dire allora di Hurley, che nel sesto episodio della quinta stagione di Lost, legge il numero 15 (maledetti numeri!) di questa serie? A questo punto ti starai chiedendo: è del tutto casuale questo legame con il mondo telefilmico? No, non lo è. Brian K. Vaughan, oltre a scrivere fumetti, è stato uno degli sceneggiatori del succitato Lost. E proprio a Lost, Y è fortemente debitore sia per la costruzione del narrato sia per la caratterizzazione decisa dei personaggi. E ne è debitore anche nei difetti: come si diceva qua sopra, vengono introdotti alcuni spunti che lascerebbero pensare a tutt’altro svolgimento della trama, ma che vengono invece lasciati nell’oblio senza particolari spiegazioni. Pecche a parte (quale serie – tv e non – ne è esente?), quel che conta è trovarsi di fronte a una serie scritta in maniera impeccabile e ben disegnata. Se tutto questo non ti basta, allora ti ricordo che le copertine sono a opera di Massimo Carnevale. ‘Nuff said.

Y: The Last Man va letto assopuffamente, a costo di rimanere l’ultima persona sulla terra.

Musica di sottofondo? The Foo Fighters – The Colour and the Shape.

Goodbye for now

2011-10-27T17:37:00.001+02:00

Basato su un racconto del grandissimo scrittore Robert Bloch, già autore del romanzo Psycho (da cui il vecchio Alfred ha tratto un certo film…), Joe R. Lansdale firma, insieme al fratello, la sceneggiatura di un fumetto intitolato “Distinti Saluti Jack lo Squartatore” e pubblicato a ottobre da GP Publishing.

Una premessa, questa, che sembra preannunciare un piccolo gioiello del genere horror, dopotutto siamo al cospetto di uno dei più forti scrittori contemporanei alle prese con un personaggio entrato di prepotenza nella storia dell’Ottocento e divenuto figura iconica per i successivi centoepassa anni. Ed è forse a causa di tutte queste ricche premesse, che questo lavoro finisce per essere una (mezza) delusione. Di Lansdale, del vero Lansdale, non c’è traccia: i dialoghi dei suoi personaggi, da sempre uno dei suoi maggiori punti di forza, sono quasi del tutto assenti se non in un paio di casi. L’elemento mistery delle vicende è presto detto: Jack lo Squartatore è tornato. Stavolta nella Chicago degli anni ’40. Sulle sue tracce un investigatore inglese, figlio di uno degli ispettori che diedero la caccia di Jack cinquant’anni prima e che ha dedicato la sua vita alla cattura del serial killer. A lui si aggiungono una giovane e determinata giornalista e uno psichiatra. Il plot, seppure accattivante, risulta privo di mordente: la storia di per sé è parecchio telefonata, l’identità del suo assassino e delle sue origini sono facilmente prevedibili e diventa pressoché impossibile provare alcun brivido di mistero o paura per una storia che, visto il tema trattato, dovrebbe suscitarne in gran quantità. Ci sarebbero anche diversi buchi narrativi, ma quelli lasciamoli pure da parte. E il disegno? La visualizzazione è affidata Kevin Colden, che da una parte cerca di ricreare un’atmosfera fredda e distaccata, governata da una linea chiara, pulita, e dall’uso di bianchi e neri, spezzati solo da schizzi di rosso e da alcune macchie di colore grigio-azzurre. Per contro, questo disegnatore si dimostra piuttosto limitato nella scelta delle inquadrature: in almeno ogni tavola c’è un’inquadratura “dal soffitto”, rafforzata da giochi di luci e ombre di milleriana memoria. È un tipo di inquadratura molto efficace e che personalmente amo molto, ma che va usata con il contagocce, altrimenti il rischio è quello di perdere la sua efficacia e il suo effetto drammatico (e infatti alla terza volta questo particolare angolo di ripresa diventa persino noioso). L’altro handicap, se così lo si può definire, è il personaggio principale: Jack lo Squartatore. Su di lui se ne è detto e scritto tanto e tutto quello che poteva essere scritto sul conto del serial killer più celebre del diciannovesimo secolo, lo trovi in From Hell del gran maestro, nonché stregone, Alan Moore. Trovarsi inoltre con una alienazione del personaggio, che viene spostato temporalmente e spazialmente, rende ancora più difficoltoso caratterizzarlo a dovere. Jack diventa un mero antagonista presente e non presente, senza quella personalità controversa e psicologicamente complessa che ti aspetti.

A discolpa mi viene da pensare che il racconto originale di Bloch è del 1943 e probabilmente per l’epoca funzionava alla perfezione: oggi, a ben 68 anni di distanza, è una storia invecchiata male, sepolta da anni e anni di horror esoterici e svariate interpretazioni del personaggio.

È davvero un peccato, perché come già sottolineato, lo stile di scrittura di Lansdale è il più fluido che mi sia capitato di leggere: i suoi dialoghi serrati, ironici, astuti e allo stesso tempo taglienti e respingenti, avrebbero potuto ridare lo smalto alle vicende, modernizzandole. La missione, almeno parzialmente è fallita: dopotutto questo autore ci ha abituato a ben altro, quel che resta è un fumetto tutto sommato godibile, senza infamia e senza lode. Fra qualche giorno i fratelli Lansdale escono con l'adattamento a fumetti di un altro romanzo di Bloch, That Hellbound Train (Quel Treno per l'Inferno) edito da IDW: riusciranno a riscattarsi?

Nel frattempo vi porgo

Distinti saluti...

Musica di sottofondo? Cold War Kids – Loyalty to Loyalty

All around the world

2011-10-26T14:53:00.006+02:00

....vabbè, se per mondo intendi tutto quello che sta in mezzo a un raggio di 300 chilometri da Milano. Comunque sia... Si parte sabato 29 ottobre, alla volta di Lucca dove domenica 30, alle ore 12.00, alla sala incontri del Palazzo Ducale, con Fabio Celoni e Mirka Andolfo, ci facciamo quattro chiacchiere sul Cacciatore di Aquiloni. Pigiami tutto per saperne di più.

Si prosegue mercoledì 2 novembre (grattata di palle) a Torino, al Circolo dei Lettori, sempre per fare altre quattro chiacchiere sul Cacciatore di Aquiloni.

Firmerò autografi solo a vergini vestite di organza bianca.

Blue Spirits

2011-10-20T09:59:00.002+02:00

Darwyn Cooke l’ha fatto ancora. È uscito in questi giorni il secondo romanzo a fumetti, tratto dai romanzi a parole di Richard Stark (la “metà oscura” di Donald Westlake) che ha per protagonista Parker. Ora, per chi non lo conosce, Parker rappresenta lo spirito del noir. È l’incarnazione stessa non solo di un genere narrativo, ma di un attitudine, di un modo di vivere che se ne sta all’ombra di un lampione, in quel confine tra luce e buio. Parker travalica lo stereotipo e anzi ne diventa l’archetipo (Westlake ha cominciato a pubblicare i suoi romanzi negli anni ’60, molto dopo i mostri sacri del genere, Hammett e Chandler). Grazie l’operato di Darwyn Cooke, oggi Parker torna a rivivere e a uccidere.

Questo secondo libro, L’Organizzazione, Edizioni BD, ci lascia subito dopo gli eventi con cui si era concluso il primo episodio: ci ritroviamo quindi nella soleggiata Miami nel 1963 la notte in cui il passato bussa (a dire il vero, entra di soppiatto) alla stanza d’albergo di Parker. I toni virano dai grigio-verdastri de Il Cacciatore al blu petrolio di questo secondo volume e la storia s’immerge sempre più nella personalità oscura di Parker. Si è detto di come questo anti-eroe sia la rappresentazione stessa di un mondo, quello del noir e di come in qualche modo di lui sappiamo già tutto perché lo abbiamo già visto in centinaia di altri film e telefilm. Eppure vuoi vedere la sua prossima mossa, tifi per lui pur sapendo che quello che fa è sbagliato.

Allo stesso modo di Cooke sappiamo già molto come autore, la sua produzione è costellata di prodotti di qualità oltre la media, ma a differenza di Parker non sappiamo quale sarà la sua prossima mossa. Così come fa la trama, anche Cooke riprende sì da dove ci aveva lasciato l’ultima volta, ma con una maggiore autorevolezza e controllo sui personaggi. Perché questo autore canadese non resta mai uguale a sé stesso, è in costante miglioramento, alla continua ricerca di nuove soluzioni narrative: sperimenta chiavi di lettura in aperto contrasto con il concetto stesso di fumetto, cambiando il registro grafico, piegandolo a seconda delle esigenze della storia. È l’esempio perfetto a cui tutti noi, sceneggiatori e disegnatori, dovremo rivolgersi sempre. La complessità del trasformare un romanzo di Stark/Westlake aveva creato diverse difficoltà a Cooke già nel primo libro, costringendolo a lunghe didascalie: in questa seconda opera la voglia di risolvere le problematiche legate al mezzo comunicativo a disposizione è forte e traspare in ogni pagina, quasi si fosse reso conto di aver raggiunto i suoi limiti e di doverli ora superare. La sequenza della finta rivista ne è l’esempio perfetto, ma di questo però ne parliamo dopo.

Cooke possiede un senso della regia particolarmente ispirato, frutto della sua vita precedente da storyboarder alla Warner al fianco di Bruce Timm di cui, a livello visivo, è forte debitore. Ai movimenti fluidi della “macchina da presa” si affiancano una storia solida, di quelle che non ne fanno più, e dei dialoghi tesi come corde di violino. Timm è solo una delle tanti fonti da cui Cooke si è abbeverato: nelle tavole di Parker c’è qualcosina di Miller, c’è molto di Breccia ma più di tutti c’è un autore che Cooke ha osservato e studiato per anni. Quell’autore è Will Eisner. E se oggi dovesse esistere un erede del più grande fumettista di tutti i tempi, questi è proprio Darwyn Cooke: e non è un caso che sia stato lui tra il 2006 e il 2008 a scrivere e disegnare, in un ciclo di storie di dodici numeri, la nuova serie dello Spirit, proprio di Eisner. Torniamo ora alla scena della finta rivista. È un mezzo espressivo già utilizzato, vedi Watchmen, ma anche dal già citato Eisner. Eppure in questo caso l’escamotage narrativo funziona a meraviglia, si inserisce con coerenza nel racconto senza risultare scollegato dal resto (come invece lo era in Watchmen).

Questi risultati si ottengono dopo anni di studio e conoscenza degli strumenti a propria disposizione: Cooke, come il suo mentore, è alla continua ricerca e scoperta delle potenzialità del mezzo fumetto. È questo che fa di lui un grande autore: il suo lavoro trasuda amore da ogni segno d’inchiostro delle sue tavole. Non si accontenta, vuole di più, chiede di più. Ottiene delle risposte, ma altrettante domande che forse, chissà, magari risolverà nel prossimo capitolo. Quel che è certo è che quando quel capitolo uscirà, io ci sarò. Perché di gente come Cooke, o come Parker, ce n’è sempre bisogno.

You Don't Have to Say You Love Me

2011-10-19T15:07:00.003+02:00

Sick, Sick, Sick

2011-10-14T15:13:00.004+02:00

Oggi sono di fretta, quindi ho deciso di sperimentare, con uno stile che mi permettesse di velocizzarmi... C'è ancora da lavorarci, ma nel complesso mi pare qualcosa che possa funzionare.

Questa non è musica, è rumore.

2011-10-12T15:03:00.007+02:00

...ovvero i 7 gruppi italiani degli ultimi dieci anni che devi ascoltare almeno una volta nella vita, ma magari pure di più.

Se gli anni ’90 sono stati quelli dei Bluvertigo, dei (primi) Subsonica, dei Marlene Kuntz, degli Afterhours e dei Verdena (che continuano a romper culi), quali sono i gruppi meritevoli di ascolto nel nuovo secolo?

Miriam in Siberia

Questi giovanotti casertani ci sanno fare eccome, i loro pezzi sono esplosioni di rock nervoso e arrabbiato dalla carica che monta brano dopo brano fino allo scoppio di Before the Insane God, canzone (quasi) conclusiva del primo disco. Se riescono a scrollarsi di dosso la forte influenza dei Verdena, a cui assomigliano molto, anzi direi troppo, allora avremo un nuovo gruppo del decennio. Il tempo, e l’imminente secondo album, ci diranno chi avrà ragione e chi no.

Pezzi da ascoltare? Estate d'ottobre e Before the Insane God.

The Bastard Sons of Dioniso

Incredibile, ma vero. I tre trentini, che se riesci a pronunciarlo hai vinto una mela della Val di Non, saltano fuori da un talent show che finora ha prodotto spazzatura, buona giusto da dare ai maiali o alle classifiche digitali e di MTv. Eppure i "bastardi" se ne escono due anni fa con un disco ben fatto, che di commerciale ha certo parecchie sfumature ma che riesce a rimanere assolutamente coerente con i lavori precedenti della band. Anzi, ne migliora gli spunti ottenendo un suono vivace, divertente e divertito. Dopo i primi entusiazzi da singolo, l’album è praticamente è passato inosservato, prendendosi insulti dai siti specializzati di musica che lo giudicano troppo pop e prendendosi insulti da chi si aspettava un lavoro alla Finley (LOL). Nel 2011, rescindono il contratto dal colosso Sony e proseguono con un’etichetta indipendente.

Pezzi da ascoltare? Nothing to talk about e Versa la mia testa.

Bud Spencer Blues Explosion

Questo duo del Tufello, che già ha dato i natali al “Giggetto regazzino” dello stornello romano, si affaccia sulla scena musicale italiana alla fine di questa decade, ma lo fa in maniera consistente. Con un blues’n’roll potente e accattivante, una sorta di risposta nostrana ai lontani e ben più rodati cugini americani Black Keys, riescono ad attirare l’attenzione delle orecchie e non la mollano fino alla fine del disco, suonato in maniera tecnicamente impeccabile: sono perfettamente capaci di sperimentare e mescolare più generi, spaziando dal folk, al blues, con accenni punk e qualche narcisismo pop. E poco importa se il cantante ha un accento fin troppo marcato (se sentite una “Z”, probabilmente sarà una “S”), questo gruppo suona dannatamente bene.

Pezzi da ascoltare? Hey boy Hey Girl e Mi sento come se.

Il Teatro degli Orrori

Un’estrazione di un dente cariato senza anestesia. Una gettata di sale su una ferita scoperta. Un ago spezzato sotto pelle. Immaginati questo e avrai ottenuto metà della potenza sonora e visiva del gruppo. Insomma, il più memorabile noise rock che puoi trovare nella terra dei cachi. Sotto il nome del gruppo, ritroviamo praticamente tutti gli ex One Dimensional Man/Super Elastic Bubble Plastic. Sia il primo, Dell’Impero delle Tenebre che il secondo album, A Sangue Freddo, stupiscono per l’impatto emotivo in grado di dare: un rock ignorante e casinista ma carico di citazioni (Truffaut, Majakovskij, Ken Saro-Wiwa) che dà il meglio di sé in perfomance live devastanti, di quelle che ne esci coi lividi anche se eri appoggiato in fondo, vicino al mixer (ché quella è la posizione migliore per sentire i concerti).

Pezzi da ascoltare? La canzone di Tom e A sangue freddo.

Marta sui Tubi

Che dire di questo duo di siciliani trapiantati a Bologna? Che quando li ho sentiti alla Salumeria della musica in molti momenti avevo la pelle del cappone a Natale. Che Giovanni Gulino ha la voce più impressionantemente impressionante della musica italiana, superiore persino a quella di John De Leo, ex leader dei Quintorigo. Che questo gruppo non è incasellabile in un nessun genere visto che si passa dal folk al punk al rock al melodico in uno starnuto (prova a cercarli su wikipedia e a far caso in quali e quanti generi vengono etichettati). Al quarto disco della loro carriera, I Marta sui Tubi continuano a sfornare pezzi incredibili, carichi di poesia e sentimento, ma anche di rabbia, ironia, dolore e amore.

Ti sembra poco? No, non lo è.

Pezzi da ascoltare? Perché non pesi niente e Cristiana.

Fratelli Calafuria

Power trio milanese con già due album sulle spalle, sfoderano una verve e una potenza sonora davvero rara. Canzoni a presa rapida, talmente rapida che dopo il primo ascolto, hai voglia di riascoltarlo: ritmi serrati, riff di chitarra martellanti, rock casinista e soprattutto menefreghista fanno da contraltare a testi schizzati, ironici ma non per questo privi di spessore. L’unico motivo per cui non salgono sul gradino più alto di questo scarno podio è il secondo album che fa un mezzo passo indietro rispetto al primo, causa un cambio di formazione. Si alternano infatti alla batteria Giulio Favero del Teatro degli Orrori e Moreno Ussi dei La Crisi, e seppure il risultato sia ottimo, c'è proprio l'impressione di qualcosa fuori posto, figlia probabilmente di un’eccessiva sperimentazione di generi che causa troppa confusione e si perde un po’ per strada.

Pezzi da ascoltare? La Nobile Arte e Cresico Memè.

Ministri

Premettiamo subito che io ai Ministri ci voglio bene e che il mio giudizio è positivamente di parte e che non ammetto risposte contrarie. Se c’è un gruppo che merita la palma di gruppo dell’anno, ma anche del decennio, ma anche di tutti i secoli dei secoli amen, sono proprio loro. Cominciano con il botto nel tardo 2007 con un album da fucilata in fronte per proseguire poi con altri due dischi e un ep che mantengono alta la qualità di musica e testi, malgrado il contestato passaggio a una major. Vicini a me, geograficamente, ma anche anagraficamente, i Ministri hanno un’attitudine nel comporre le canzoni assolutamente nuova, un approccio molto più inglese o americano, senza per questo rinunciare all’italiano come lingua madre. È musica fatta da gente della mia età per gente della mia età e chi ne è fuori, resta fuori. L’attenzione intorno a loro è parecchia, speriamo che non rischi di bruciarli: il “pericolo” è di perdere spontaneità e andare incontro a gusti più commerciali, d’altra parte lo dicono anche loro… il futuro è una trappola.

Pezzi da ascoltare? Abituarsi alla fine e Diritto al tetto.

Il solo modo degno di chiudere questo pezzo è spiegando che Le luci della Centrale Elettrica non sono un gruppo, non lo saranno mai, e Vasco Brondi scrive le canzoni allo stesso modo in cui Bart vince a scarabeo, cioè utilizzando parole come Kwyjibo (uno stupido scimmione pelato del Nord America senza mento e con un pessimo carattere) mentre un emù vicino a lui picchietta il becco sulla chitarra.

Tonight I'm gonna rest my chemistry

2011-10-05T13:47:00.001+02:00

Here we are Hanging onto strains of greed and blues

2011-10-03T10:06:00.005+02:00

Se mi stavate cercando, oggi mi trovate qua oppure qua! Olè!

There goes my hero

2011-09-30T13:28:00.007+02:00

Due anni fa, all'uscita di Peppino Impastato, un giullare contro la mafia, di Marco Rizzo e Lelio Bonaccorso (edito da BeccoGiallo) mi era sembrato doveroso omaggiare il protagonista di questa drammatica pagina della storia italiana. Una settimana fa circa, Giovanni Impastato ha lanciato a questo appello, e quando Lelio gentilmente mi ha chiesto se avrei preso parte al progetto, ho detto immediatamente sì!

Tutto questo, insomma, per dire che da qualche giorno mi trovate su Repubblica...

precisamente qua!

...O se non altro vado al parco e leggo David Foster Wallace

2011-09-30T13:19:00.004+02:00

Gipi ha debuttato al cinema negli ultimi giorni con il film L’Ultimo Terrestre. Qualche settimana fa scopro che il suo film è ispirato a una graphic novel di Giacomo Monti, edita da Canicola, e intitolata “Nessuno mi farà del male”. Bene, è presto detto: se Gipi, per il suo debutto sul grande schermo decide di portare in scena il fumetto di un altro autore, significa che deve essere un grande fumetto.

Con queste premesse m’immergo nella lettura di questa so called opera. Nessuno mi farà del male è uno di quei fumetti che si apre le viscere e le riversa sul tavolo, cercando di trovare un senso alla matassa appena estratta eppure mi bastano un pugno di pagine per intuire che c’è qualcosa che non va e più vado avanti nella lettura della storia, meno ne trovo. Di storia, intendo. L’ho riletto un’altra volta. E pure una terza, a qualche giorno di distanza, per vedere se mi era sfuggito qualcosa. Ma alla fine tutto quello che mi resta è questa terribile sensazione di non essere io sufficientemente intelligente per capire dove l’autore vuole affondare i suoi colpi migliori: la Rete celebra e incensa il libro e il suo autore come nuovi profeti. Vuoi vedere che allora sono veramente io il problema?

Poi m’imbatto in un’intervista dell’autore e nella mia testa comincia a prendere forma quello che già sospettavo. L’autore si dimostra pieno di boria e arroganza intellettualoide, che è esattamente la medesima boria e arroganza riprodotta nel suo libro. Un libro pretenzioso che si traveste da prodotto minimal, carico di significati intrinseci e nascosti, ma nascosti, nascosti così bene che proprio non si vedono non ci sono. Nella suddetta intervista, l’autore afferma che per la sua opera non bastano quaranta letture per capirla a fondo. Io di sicuro altre 37 possibilità non gliele do: e non perché non “voglia muovere il culo per fare lo sforzo attivo di capire l’autore", ma per il semplice fatto che quello che l’autore lo racconta, lo racconta male. I racconti che compongono l’opera non prendono alcuna direzione, imboccano una strada ma la lasciano a metà e spesso si tratta di situazioni banali e già viste. Cercano di sviscerare un dramma interiore che non esiste. Per quanto riguarda la parte visiva, troviamo uno stile di disegno malandato e sgraziato, che non sarebbe nemmeno un problema, ma lo diventa dal momento in cui non ha alcun gusto estetico. Torniamo a Gipi dell’inizio. LMVDM (per citarne uno) è un’opera di una potenza visiva spaventosa: Gipi gioca con noi, finge di disegnare male, ma ha una delle più forti capacità narrative e compositive degli ultimi quarant’anni e dietro quel suo disegnare male, c’è un universo intero e ancora non del tutto esplorato.

L’impressione avuta da questo “Nessuno mi farà del male” invece è quella di prodotto presuntuoso, che si finge arte, nella sua accezione più alta e filosofica del termine, ma che di fatto arte non è. Del resto la “Merda d’Artista”, sarà pure da Artista, ma sappiamo tutti cos’è realmente.

“Nessuno mi farà del male” è un film coreano sottotitolato in polacco, ma parlato pochissimo. E' una canzone a caso di Vasco LOL Brondi. Un generatore casuale di parole e immagini. L’unica immagine che mi è venuta in mente a monte di tutto ciò, è questa.

E per chiudere questa sonora scarica di bottigliate, che ho dovuto prendere in prestito dal saloon del mio amico Mr. Ford, torniamo all’intervista di cui sopra. L’autore afferma (fortunatamente, penso io) di voler chiudere con il fumetto perché ritiene di aver detto tutto quello che aveva da dire a riguardo. Ora. Si tratta di una scelta personale rispettabilissima, ma sul serio… tutto quello che aveva da dire nel campo del fumetto si limita davvero a questo?

Troppo poco, se vuoi la mia stima.

Looking for God

2011-09-29T16:15:00.001+02:00

Have I Been A Fool?

2011-09-28T14:34:00.004+02:00

Lonesome Cowboy

2011-09-26T11:03:00.005+02:00

E' stato il più importante editore a fumetti in Italia, e probabilmente lo resterà ancora per un bel pezzo. Per quanto io non sia mai stato un fan sfegatato della sua casa editrice, il nostro debito nei suoi confronti non si estinguerà mai.

Load up on guns

2011-09-24T09:45:00.007+02:00

Si diceva giusto ieri di gente che compie vent'anni... Beh, il 24 settembre 1991, esattamente 20 anni fa, usciva il secondo album dei Nirvana, un album che in copertina aveva questo neonato che nuotava verso una banconota da un dollaro. Quell'album era destinato a entrare nella storia della musica: il suo nome è Nevermind. Per il suo compleanno esce un'edizione supermegaultrafico deluxemammamiaèdavveropazzesco che comprende 4 dischi e un botto di roba più o meno già uscita, in maniera più o meno ufficiale. Mi piacerebbe avere qualche aneddoto interessante su questo disco, ma la verità è che nel '91 io di anni ne avevo 9, e di certo i Nirvana non li ascoltavo ancora: li cominciava però ad ascoltare mio fratello. E i Nirvana, insieme a qualsiasi altra cosa avesse il suono di una chitarra elettrica o di una batteria pestata, mi sono entrati in testa con metodi subliminali: del tipo che mentre dopo pranzo me la dormivo della grossa, nella stanza di fianco mio fratello sparava Metallica, Pearl Jam, Smashing Pumpkins, a volume da concerto allo stadio. Ed è così che, come Michela in Segni Particolari Bellissimo, ho assorbito tutto nel sonno. Poi, a distanza di anni, ti risvegli un giorno e non sai bene come ma ti ricordi a memoria, musiche e parole (vabbè, quasi. si fa per dire).

Coraggio, un secco click del tuo mouse/trackpad/penna ottica per... ehr... per... essù, dai, hai capito.

Come on and twist a little closer now

2011-09-23T15:36:00.006+02:00

Chi almeno una volta non avrebbe voluto essere come Ferris Bueller? Per chi non lo conoscesse, Ferris Bueller’s Day Off, qui in Italia tradotto con il (pessimo) Una pazza giornata di vacanza, è un film di quel geniaccio di John Hughes, con una delle sequenze più shtupentemente belle della storia dell’universo totale globale. Da questo film è stata tratta pure una serie tv, cancellata nel giro di qualche mese che comprendeva nel cast, nei panni della sorella stronza, un'allora sconosciuta Jennifer Aniston.

E sì. Sto proprio parlando della sequenza del museo.

You're still alive, she said

2011-09-23T10:57:00.010+02:00

I Pearl Jam celebrano i vent'anni con un film diretto da Cameron Crowe e che è stato presentato il 10 settembre al Toronto International Film Festival.

Pearl Jam Twenty, il titolo della pellicola che ripropone vent'anni di carriera, è stato proiettato 3 giorni fa per una sola notte in alcune città americane. Accompagna il film, una "colonna sonora" di 29 canzoni tratte da esibizioni live e demo sparsi negli anni.

Insomma, come direbbero i Pearl Jam... Olè!

Pearl Jam Twenty from Pearl Jam on Vimeo.

Chi non ha pianto con questo video, è un fan degli Hanson!

EDIT: Il film è stato proiettato a livello mondiale, non solo in America.

In realtà ho sbagliato apposta per non voler ammettere a me stesso di essermelo perso.

It's a red sky night and I'm doing alright

2011-09-22T17:51:00.003+02:00

Se non facessi lo sceneggiatore (saltuariamente), il disegnatore (raramente) e il cialtrone (praticamente sempre), l’unica altra sola professione che potrei veramente pensare di fare è l’inventore di film sporcaccioni di Sky.

Infatti questo mestiere ti porta ad affrontare nuove sfide tutti i giorni, ci si può infatti trovare a risolvere problematiche delicate. Problematiche come…

Quando la festa diventa orgia. Eh già, perché a chi non è mai capitato che nel bel mezzo di quelle innocenti feste con il nome sul bicchierino di plastica e i paninetti con la maionese, qualcuno si spogliasse e ti provasse a incoolare?

Mia moglie da Blackzilla lo prende tutto. E in quel caso se un bestione di colore scuro di 30 metri, e non in altezza, si aggira per la città tutto nudo, se tua moglie si trova nei paraggi, ce la lasci pure senza protestare.

Cazz Woman. È un aereo, no, è un uccello, no… è Cazz Woman! La paladina dei peni in pericolo: ovunque ci sia un giovane membro della comunità che abbia bisogno di soccors0 (a.k.a. sveltina dura), Cazz Woman sarà lì. Eppure mi sta salendo sospetto che più che un aiuto, questa supereroe ti dia una botta di (potere) cazzo.

L’Ospizio della Vergogna. Ecco, questo no. Proprio no. Nooooo! Vi prego, vi ho detto no! Strappatemi gli occhi, tagliatemi via le orecchie, fate qualsiasi altra cosa ma non questo!

Riempiti la bocca. Sì, va bene, ho capito, mangerò di più. Però mi hanno sempre insegnato che non si parla con la bocca piena… Ommiodio, ma non staremo mica parlando di quella cosa lì?!?!? Sì, è quella.

Alle inglesi piace lungo. Questa cosa mi pare di averla letta anche sulla guida della Gran Bretagna della Lonely Planet, però non sono sicuro, magari vado a controllare…

Peppina dalla mazza carina. Oh, ma che bella questa bambina! Oh, ma che cosa carina che hai in mezzo a quelle tue gambe muscolose, bella bambina!

E concludiamo con i ricordi di una vita… I lunghi mesi passati nella stiva di una nave diretta a Dakar, le docce durante quella breve permanenza in galera, tutte quelle ore passate in acciaieria, tra le saldatrici e le macchine oleodinamiche, beh, questi sono…

I Migliori Ani della nostra vita.

All the miles keep getting longer

2011-09-21T17:38:00.004+02:00

Io di Manuel Fior non ho mai letto nulla, non tanto per mancanza di fiducia, quanto perché il tipo di prodotto che fa non è quello che mi interessa leggere, così come ad esempio non mi interessa leggere i fumetti bonelli/di. Sta di fatto che quando a luglio, mi si presenta Daniele in redazione e tira fuori questo libro parlandone molto bene, allora finisco ad accettare di leggerlo. Questo è un libro davvero strano, è strano perché ha la capacità di raccontare una storia senza raccontartela per davvero: si parla di una storia d’amore, ma senza vederla. La relazione sentimentale tra Piero e Lucia avviene fuori dalle tavole, avviene in un tempo sospeso che a noi non è dato vedere e che intuiamo solo da alcune frasi, molto spesso anzi dall’esatto opposto: sono infatti proprio i “non detti” o i “non gesti” a rivelarci molto più di quello che Fior ha tracciato sul foglio da disegno. Cinquemila chilometri al secondo, edito da Coconino nel 2010, sono i battiti dei cuori dei protagonisti Lucia e Piero (e di riflesso dell’incognita Nicola): tre giovani alla ricerca dell’amore, ma prima ancora alla ricerca di una identità e di un senso di appartenenza. Ed è proprio questa mancata consapevolezza di sé e incapacità di amare che li porta lontano, a cercare nuovi orizzonti e nuove mete nella speranza di riempire quel buco di solitudine che hanno dentro. Ed è questa forte instabilità emotiva generazionale che porta i personaggi ad allontanarsi: questa incertezza si dimostra essere prima salvifica, liberatoria, ma finisce col trasformarsi nel corso degli anni in un senso di desolazione ed emarginazione. Quando, insomma, passati gli anni, capisci che hai sbagliato tutto e ti senti quel groppo malinconico legato alla gola, puoi provare a tornare indietro, ma nel tuo cuore sai già come andrà a finire. Fior racconta questa storia con garbo e sobrietà: la regia si muove sinuosa tra le vite dei personaggi, come se gli stesse danzando intorno dando a noi spettatori una visuale completa ma allo stesso tempo distante, quasi sfuggente, come se non dovessimo sapere troppo. L’uso dei colori è sapiente, mirato a rafforzare l’effetto emozionale che vuole dare, in base a quanto sta raccontando: si alternano un uso di colori forti e accesi, al limite dell’acido, a colori spenti, morti, tristi, in un caso e nell'altro a sottolineare i passaggi chiave del racconto.

Non so dire se leggerò in futuro altre opere di Fior, magari sì, magari no, però magari la prossima volta che Daniele ripassa in redazione farò finta di aver scordato questo libro nella mia libreria. Dove starà per un bel po’ di tempo, cioè tipo per sempre.

Losing my Religion

2011-09-20T18:07:00.000+02:00

Njósnavélin

2011-09-12T11:18:00.002+02:00

Ovvero Dello spassoso funerale di mia nonna

Prima di leggere, apri una nuova finestra, linkaci questo e nascondi il tutto, ché tanto la canzone è lunga, il racconto pure e magari ci dai un senso pure al titolo.

Premetto che io, a mia nonna, ci ho voluto un bene dell’anima. Quindi si presuppone che la sua morte sia stata per me un momento difficile. E in effetti il giorno del suo funerale, un martedì, ero davvero molto triste.

Ma essere triste non fu affatto facile.

Questa è una storia con più premesse. E questa è la seconda.

Era il 4 di novembre e io da poco più di un mese, circa, avevo scoperto di avere un’ernia inguinoscrotale destra. Dice: cosa significa? Grazie per averlo chiesto. Significa che la parete che divide gli intestini dagli organi genitali si è sfondata e che quindi gli inquilini del piano di sotto si ritrovano con la terza pallina per il flipper. (Tutta colpa di un trasloco fatto in appena una settimana, ma questa è una storia che mi riserbo per il futuro.)

Il mese dopo avrei dovuto operarmi in una clinica del centro, a due passi da Cadorna (ma anche questa è un’altra storia). Per me, questo dell’ernia, è un argomento che confesso essere piuttosto imbarazzante. Di cui non ho mai parlato volentieri e che solo a sentirlo nominare mi si urtano i nervi.

Vabbè, insomma, sta di fatto che mentre siamo lì davanti alla chiesa di S.Gregorio ad aspettare l’inizio della cerimonia, mi si avvicina una cara collega di mia madre.

E qua tocca fare un’altra premessa.

Mia madre, oggi in pensione, ha lavorato per una vita alla Mondadori, quindi ha molti colleghi giornalisti. La collega in questione arriva direttamente da Mediaset.

Bene e mentre mi si avvicina, io penso che vorrà farmi le condoglianze, si usa così ai funerali, no? “Tu sei Tommaso, il figlio più piccolo, vero?” esordisce “Ho saputo dell’ernia! Ma quindi ti devi operare, eh? Ah, ah… una bella rogna!”

Resto di pietra mentre assumo una tonalità rosso Coca Cola: balbetto qualcosa di sicuramente poco sensato mentre sento mia madre farsi beffe di me con la sua collega.

E mio fratello e la mia ragazza apprezzano, anzi prendono il Menù2, pop-corn jumbo e bicchierone da litro di Fanta: fanno ottoeuroenovanta alla cassa, grazie.

In un modo o nell’altro inizia il funerale… per mia fortuna. Mai avrei pensato di dire una cosa del genere.

Terminata la funzione, c’è quel curioso rito per cui i familiari del defunto/a si mettono in fila davanti ai gradini della chiesa con espressione seria e stringono le mani di tutti o quasi i presenti, tipo capo di stato davanti alla squadra perdente nella finale di coppa del mondo. Di solito c’è anche una zingara che si aggira chiedendo monete.

Ai funerali, non alla finale di coppa del mondo.

Nemmeno noi potevamo essere da meno, perciò prendiamo le medaglie d’argento e cominciamo: di solito si inizia con quei parenti che vedi solo ai matrimoni e ai funerali. Mi preparo a sentire le loro condoglianze, il loro dispiacere incorniciato sui loro visi contriti (non dico che siano falsi, affatto, ma talvolta ho l’impressione che vengano accentuati più del dovuto).

Ma invece mi sbagliavo.

Perché lei è lì che aspetta paziente e coglie la prima occasione per ritornare.

“Allora, tua mamma mi ha raccontato dell’ernia! Com’è successo?!” (ammicca alludendo a qualcosa che non capisco)

Io mi giro allibito verso mio fratello che scoppia a ridere, attendendo solo una mia risposta.

“Ehm… già, sì… deve essere stato quest’estate… con il trasloco…”

I prossimi sono alcuni vecchi amici di famiglia.

“Tua mamma mi ha detto che ti devi operare… ma dove, dove?”

“Io… devo fare… devo fare un’ernia scrotale…”

“Uuuuh, la conosco benissimo, l’ho fatta anche io da giovane, quando avevo XX anni…”

Ed eccomi lì, che mi vedo da fuori a stringere mani con il naso rosso da clown, il sorriso triste e un improbabile accetto emiliano da “venghino siore e siori a vedere lo spettacolo di Gnugny, il pagliaccio con l’ernia”. Mi vedo mentre uno dei giorni più tristi della mia vita si trasforma in una serie di sorrisi imbarazzati e descrizioni di operazioni laparoscopiche oppure “col taglio”. Ogni persona della fila di persone davanti a me ha la sua esperienza personale in materia che non vede l’ora di raccontarmi, con dovizia di dettagli per giunta.

Ormai qualsiasi volume di imbarazzo o dignità ha celebrato il suo funerale privato, perciò ad ogni stretta di mano siamo o io, o mio fratello, a introdurre l’argomento così anche i pochi che non lo sapevano, ora lo sanno.

Intanto mia madre, che l’ha detto al mondo intero, è lì a beccarsi tutte le condoglianze.

Non so dire se mia nonna avrebbe voluto un funerale buffo o se avrebbe preferito qualcosa di più serio. Quello che so è che al mio, di funerale, vorrei che si creasse quell’atmosfera. Non vorrei che ci fossero strette di mano fredde, sorrisi amari ed espressioni accentuate e contrite. Vorrei le risate per l’imbarazzo di un’ernia o qualche altra cosa altrettanto buffa. Io comunque non ci sarò più, il tempo di essere triste ci sarà tutte le volte che vorrai.

Tanto vale ritrovarsi tutti insieme e farsi quattro risate, no?

Detto questo, sto facendo tutti i gesti scaramantici che conosco.

Call me a Dog

2011-09-07T13:28:00.004+02:00

The world sees a dog.

He sees Wilfred.

Me and my Teddy Bear

2011-09-02T12:59:00.003+02:00

Alan Alexander Milne.

Dice: echiccazz’è?

E allora riproviamoci: Winnie The Pooh, il creatore di.

Ah, ecco, adesso ci siamo.

È una fredda mattina quella del 18 gennaio del 1882, quando nell’ospedale di Kilburn, nasce Alan Alexander. Negli anni seguenti il ragazzo frequenta la scuola privata gestita dal padre e che fra i suoi insegnanti conta un certo H. G. Wells, un tipo con dei grossi baffoni e “l’hobby” di scrivere storie bizzarre che parlano di invasioni aliene e un mucchio di altre scempiaggini troppo strambe per l’epoca.

Alan si trasferisce poi al Trinity College di Cambridge, incomincia a scrivere per la rivista della scuola, Granta, e grazie ad alcuni articoli scritti a quattro mani col fratello Kenneth, si garantisce l’attenzione di Punch, una rivista umoristica inglese. Il sodalizio con Punch si rivela più duraturo del previsto, Alan infatti ne diventa prima stretto collaboratore e poi assistente di redazione: arriviamo così al 1913, quando Alan conosce Daphne. I due si sposano e tutti felici e contenti. Anzi, no. No, perché Alan entra nell’esercito di sua Maestà la Regina, come ufficiale del Reggimento Reale del Warwickshire: sei anni più tardi, nel 1919, Milne è “costretto” a tornare a casa per una malattia debilitante.

Ma questa è una vita interessante e appena un anno dopo, nel 1920, nasce il suo primo figlio: Christopher Robin. Se questo nome vi ricorda qualcosa, non temete: tornerà in seguito. Tra la fine della guerra e la prima metà degli anni venti, la produzione letteraria di Alan prende l’accelerazione: diversi romanzi, opere teatrali e persino sceneggiature cinematografiche. Intanto Christopher Robin sta crescendo, ha quattro anni adesso e Alan adora raccontargli le storie. Tra il 1924 e il 1925 Alan si dedica alla letteratura per ragazzi pubblicando una raccolta di poesie, When we were young, e una raccolta di racconti brevi, Gallery of Children illustrati dal vignettista E.H. Shepard. Nel 1926 Alan trascrive le storie raccontate al foglio e riadatta alcune parti estratte dai racconti del libro dell’anno precedente: esce così il primo libro della serie per ragazzi Winnie the Puh. Questo libro racconta le vicende di un bambino di nome Christopher Robin (ta-daaaan!) e del suo orsacchiotto di pezza: in origine il nome dell’animale era Edward ma venne ribattezzato in Winnie-the-puh, dopo che Alan portò il figlio allo zoo di Londra che all’epoca ospitava un cucciolo d’orso donato da un veterinario canadese che l’aveva chiamato Winnipeg. Puh o Pooh proviene invece da un cigno che portava questo nome.

Il Cristopher Robin del libro oltre all’orso, vive le sue avventure nel bosco insieme a una tigre, un asino, un canguro e un maialino: si tratta dei veri pupazzi del Cristopher Robin reale. L’anno successivo, il 1927, vede la luce di un secondo libro di poesie per bambini, Now we are Six, e nel 1928 esce il secondo libro dedicato a Winnie-the-puh, La strada di Puh. Grazie alla verve narrativa festosa e senza pensieri, alla forza dei personaggi e delle illustrazioni, sempre a carico di Shepard, i due libri di Alan diventano alla svelta dei moderni classici che qualcuno arriva a paragonare ai romanzi di Lewis Carroll.

Alan, con sorpresa un po’ di tutti, decide che quello sarà l’ultimo libro di Pooh. L’ultimo libro per ragazzi e con le settecentomila parole delle sue quattro pubblicazioni si congeda dalla scena letteraria per giovani lettori. In tanti si sono chiesti il perché della scelta, ma a me piace pensare che Alan la verità se la tenga ben stretta nel cuore: Christopher Robin, suo figlio, sta diventando grande e Winnie-the-puh non gli appartiene più, l’ha lasciato andare, perché era giusto così. E infatti da allora Alan si è sempre rifiutato di scrivere nuove avventure di quell’orsacchiotto di pezza. La fine della carriera di Alan come scrittore per ragazzi, ne decreta la fine anche come quello di scrittore per adulti e sebbene Punch continui a pubblicare qualcosa di suo, alla fine la collaborazione cesserà del tutto. Nel 1952 Alan si rinchiude in una villa nell’East Sussex dopo un intervento al cervello: quattro anni più tardi, all’età di 74 anni, Alan muore.

Alla morte di Alan, Daphne decide di vendere i diritti di Winnie-the-Puh. A comprarli è la Walt Disney Company, che trasforma Winnie The Pooh in quello che ad oggi, con i suoi libri, i suoi film d’animazione, gli show televisivi e il merchandise, è il brand in assoluto più redditizio di tutta la compagnia.

I pupazzi originali di Christopher Robin, cioè la versione reale di Tigro, Cangu, Ih-Oh e Pimpy, li trovate esposti alla New York Public Library.

Cold as Winter//Guns of Summer

2011-09-01T11:29:00.002+02:00

L’inverno del disegnatore è un inverno lungo quarant’anni. È l’inverno che appartiene a chi combatte per la propria dignità e si ribella a un meccanismo meschino e disgraziato. Nell’estate del 1957, in pieno regime franchista, i cinque più famosi fumettisti spagnoli dell’epoca, stufi di non veder riconosciuti i diritti per le loro opere, abbandonano la casa editrice per cui lavorano, la storica Bruguera, per fondare una rivista tutta loro, Tio Vivo, di cui detenere tutti i diritti e le proprietà intellettuali del caso.

Paco Roca, che con questo libro ha ottenuto il premio come Miglior Libro e Miglior Sceneggiatura al Salone Internazionale del fumetto di Barcellona 2011, affronta la storia con naturalezza e sensibilità scegliendo una struttura narrativa asciutta ed efficace che si muove costantemente avanti e indietro nel corso dei due anni in cui la vicenda ha luogo. Al di là di ogni retorica da recensione, l’autore di Rughe e Strade di Sabbia esplora i suoi personaggi fino nelle viscere, tirandone fuori il lato più umano, mostrandoli nelle loro debolezze senza farli sembrare mai scontati o inutilmente drammatici. È gente d’altri tempi, gente che viene dalla guerra, dalla scorza dura, con il coraggio di voler cambiare il mondo e con lo stesso coraggio (perché ce ne vuole davvero parecchio) di ritornare all’ovile se il mondo ha finito per cambiare loro.

Roca adotta una messa in scena piuttosto familiare che nella sua semplicità descrive molto chiaramente la situazione di allora così come quella di oggi. Come accade quando i cinque disegnatori vanno insieme al bar, con quello che offre la colazione a tutti, oppure quando scherzano su chi sia più o meno bravo o ancora mentre si lamentano di continuo come pentole di fagioli per i ritardi sui pagamenti o per i mancati diritti. Sono accadimenti naturali che succedevano 54 anni fa, così come succede oggi, al bar sotto casa. Lavoro nel campo dell’editoria per ragazzi da diverso tempo e sono stato anch’io quello che offre la colazione (non è vero. Io sono quello che se la fa offrire. Quello che offre è sempre un altro…) e sono il primo che sta due ore su skype tutti i pomeriggi a ripetere la solita solfa delle condizioni di lavoro come una litania. E di editori pirati ne ho conosciuti alcuni. Squali che non guardano in faccia nessuno, con i loro sorrisi aguzzi, che mentre ti danno la spalla con una pacca, con l’altra mano stanno praticando fisting duro. Parlo soprattutto della realtà che mi è più vicina, quella delle case editrici di libri per ragazzi. Eppure anche nell’ambito del fumetto ho sentito storie molto simili. E infatti la storia dei cinque creatori di Tio Vivo finisce esattamente come te l’aspetti: male. Male perché il ruolo del disegnatore, che pure è quello che dà il pane all’intera casa editrice, è un ruolo considerato marginale. Niente di diverso da chi lavora in una catena di montaggio. E parlare di diritti è fuori luogo come un rutto in chiesa. Perciò chi esce dal seminato, dovrà essere ricondotto nel gregge, con le buone o con le cattive.

Dice: ma se questi editori sono tanto cattivi e non pagano per i diritti, né d’autore, né di ristampa o per le cessioni all’estero, perché non smetti di lavorare per loro? O meglio ancora perché non fargli causa?

Già, bella domanda. In Italia i grossi editori a fumetti si contano sulla punta delle dita, mentre i disegnatori bravi si contano sulla punta delle dita di un millepiedi: e se io dovessi smettere di lavorare per quell’editore oppure addirittura fargli causa, con cosa mangio? Con gli incartamenti degli avvocati? La verità è che hanno il coltello dalla parte del manico: noi siamo quelli che hanno bisogno di lavorare, a loro cambiare un disegnatore non dipinge una sola ombra sul viso. Non è un caso che molti disegnatori italiani lavorino per la Francia, l’Inghilterra o l’America. E mentre il futuro si muove attraverso la rete, fra autoproduzioni, crowdfunding o più semplicemente applicazioni per tablet, la sensazione terribile è che le cose più cambiano e più restano uguali; “la rete non è Che Guevara, anche se si finge tale” dice Caparezza nel suo ultimo disco. È un’accusa rivolta all’ambito musicale, ma che a ben guardare si adatta anche in quello del fumetto.

Sarà bene quindi allacciarsi stretto il cappotto che l’estate è al capolinea e l’inverno, si sa, fa presto ad arrivare.

August and Everything After

2011-08-31T12:58:00.007+02:00

C’è che due giorni fa è uscito questo live dei Counting Crows che ripropongono sul palco il loro album d’esordio, August and everything after, seguendo fedelmente la tracklist originaria (salvo una piccola eccezione, mavabbè).

C’è che ascoltandolo, realizzo che sono 18 anni che ascolto quelle canzoni. 18 anni, che equivalgono a poco più della mia metà della mia vita. E in mezzo ci sono state tante cose.

I viaggi per mezza Europa sul sedile posteriore di una Regata 70.

Il walkman.

I bulli.

Le magliette bucate di quattro taglie più grandi, ancora adesso.

I capelli alla Elvis.

I capelli lunghi.

I capelli biondi.

Le delusioni.

Le distrazioni.

I lividi.

I sogni ad occhi aperti, e quelli ad occhi chiusi.

Quel Cuba Libre di troppo.

Gli scherzi telefonici.

La puzza di barbone morto in macchina.

La cassetta masterizzata proprio di August and everything after, regalata tredici anni fa, dopo appena un mese, a quella che sarebbe diventata oggi mia moglie.

I viaggi sul tram nella foschia milanese.

Dezember Banhof.

I sabati pomeriggi attaccati a Fifa '98.

Le camicie di flanella.

“Verso la tempesta”.

Le quaranta multe in meno di tre mesi.

Il 5 Maggio. Dalla parte giusta, però.

Quella volta che sono stato pestato.

La malinconia al ritorno dal mare.

Tutti i futuri possibili lasciati alle spalle.

Le piccole vittorie e le grandi sconfitte.

Le ubriacature moleste.

La notte che non ero convinto del parcheggio e che alle tre di notte, infilandomi i pantaloni sopra al pigiama, sono andato a spostare la macchina, per poi sgattaiolare di nuovo nel letto.

Le Colonne.

Il primo libro.

E pure il secondo.

Le zozzerie al parchetto. Di giorno e di notte.

Pipino.

Il cameriere, il ferramenta e il commesso.

Il 5 Maggio.

Le aspettative disattese.

La polenta con il gorgonzola.

L'allergia.

I segni del tempo.

Le persone che mi stanno attorno.

Quelle che non ci sono più.

Anche quelle che invece si sono perse per strada, di quelle che ogni tanto ti capita di rivedere in giro che per un attimo rimpiangi di non aver più vicino, che glielo stai per dire ma poi ci ripensi e sai che non le rivedrai più, ché forse è meglio così.

E poi ci sono i ricordi, quelli belli e quelli brutti che mi porterò per sempre.

Ad agosto e tutto quello che viene dopo ti ritrovi con meno di quel che ti aspettavi, è vero, eppure non riesci a provare paura per il futuro.

Riascoltare oggi dopo quasi vent’anni quel gruppo che suona dal vivo questo album, ti fa sentire di essere cresciuto anche tu assieme a loro. Di essere diventato in qualche modo grande. Anche se io, grande davvero, non credo lo diventerò mai.

Too Tough to Die

2011-08-25T11:08:00.014+02:00

…Ovvero la morte ti fa bella, ma alle volte anche tremendamente sfigato.

Nei nostri ricordi restano impressi i momenti più belli legati ai telefilm del nostro passato, ma anche del nostro presente e, con pesante grattata testico-scrotale, anche del nostro domani. Dalle puntate su Rai Uno (o Rai Due?) di Alf alle sei e mezzo di pomeriggio, fino alla puntata di lunedì scorso di Breaking Bad. Sono momenti preziosi, ricordi che ti fan venire le lacrimucce, da conservare nascosti nella cesta dei panni sporchi del cervello (che lì i ladri non ci vanno mai guardare). MA…

un MA con la MA maiuscola, ci sono altri momenti di cui non ci vorremmo ricordare o perché troppo brutti o perché “no, dai, davvero, ma che cazzo dici? Non ci posso credere che stia accadendo realmente” e te ne vai lanciando il telecomando contro il vecchio in mutande affacciato al balcone di fronte.

Sono le morti più sfigate a cui avete assistito nei vostri telefilm e di cui probabilmente vi siete dimenticati, o avete fatto in modo di cancellarli dai vostri ricordi:

Durante gli anni ’90, noi brufolosi si guardava un sacco Baywatch. Perché a quell’epoca ci interessava solo una cosa. Sì, proprio quella là. Essere bagnini. Vabbè, ad ogni modo, pur di guardare rimbalzare tutte e otto le tette di Pamela Anderson, seguivamo assiduamente le avventure di Mitch e soci: dopo cinque stagioni di balzelli sulla battigia, qualcuno si stava addormentando così ecco che Stephanie Holden, la bagnina inutile visto che era l’unica senza i gonfiabili, viene schiacciata dal palo di una barca colpito da un fulmine durante la tempesta. Video da lacrime e risate. Le prime sono causa diretta delle seconde. Ma stiamo grattando solo la superficie perché Stephanie è ben lontana dallo scomparire dai teleschermi: la nostra bagnina-tavola da surf torna dall’oltretomba nel diciannovesimo episodio della seconda stagione di quel pattume chiamato Baywatch Nights. Come si può esumere dal riassunto di IMDB della puntata in questione di questa versione rumena di X-files, Mitch salva una ragazza dall'annegamento, scoprendo però che la giovane è posseduta da un demone. Ma il demone, che mica è scemo, prende possesso pure di Mitch (sic). Il nostro ha poco tempo per salvarsi e quindi cosa fare se non avventurarsi negli inferi alla ricerca dell'unica persona in grado di aiutarlo? Sul serio, se volete smettere qua di leggere, siete giustificati. Beh, dicevamo? Ah sì... l'unica "persona" in grado di aiutarlo... è il fantasma di Stephanie Holden! Dunque. Al di là di tutte le considerazioni lecite o meno sulla trama dell'episodio... ma mi volete spiegare che CAZZO ha mai fatto di male Stephanie per finire all'inferno?! Sodomizzava i bambini dopo averli salvati dalle acque?!

Sempre all’inizio degli anni ’90 c’era questo nuovo telefilm fichissimo, che prometteva botti di capodanno e biglietti vincenti della lotteria per tutti, che si chiamava Melrose Place. Questa versione adulta di Bevertly Hills (almeno così veniva definita) in cui tutti trombavano con tutti e Michael Mancini si trombava tutti, a un certo punto della serie (terza stagione) spuntava Brooke, conosciuta oggi ai più come la Charlotte di Sex and the City. Poi una sera gli sceneggiatori si stavano annoiando così decidono di giocare al gioco dei bigliettini, quello dove si scrive un “chi, cosa, dove, perché, quando” su un foglietto a giro ridendo poi di quel che ne salta fuori. In questa occasione è: Charlotte ubriaca piscina botta in testa… E voilà, il delitto è servito, signori!

Di E.R. ricordo le prime gloriose stagioni, quelle di Benton, dell’eroico Carter con quel fare che gli vuoi subito bene, di Ross e “Ciccio” Clooney. Poi negli anni ho smesso di seguirlo perciò francamente di chi sia il dottor Robert Romano non ne ho la più pallida idea, ma la sua morte ha del meraviglioso, avanti anni luce, così avanti da essere ancora troppo prematura quando io sarò nonno. Ancora più avanti della morte di Macy, in Beautiful, schiacciata da un lampadario. Non ti tolgo la sorpresa di cosa accade… scoprilo qua!

Casalinghe Disperate. Mai vista una puntata eppure in giro per la rete è facile trovare la tragicomica scomparsa di Edie Britt, che nel giro di tre minuti rischia prima di morire strangolata dal marito pazzo, depresso, allucinato e piromane, quindi si spalma contro un palo della luce per evitare l’agente Cooper di Twin Peaks e visto che ancora è in vita riesce a mettere il piede in una pozza d’acqua con i cavi scoperti dell’alta tensione a mezzo metro di distanza. Final Destination pensaci tu.

Ora: Lost. Tranquillo, lo so che a Lost gli vuoi bene, anche se tante volte ti ha fatto fare quella faccia da pirla, quella da grandi occasioni. La verità è che a un certo in Lost può succedere quello che ti pare, magari anche che l’isola si sposti nel tempo (un momento…), che tanto tu gli crederai lo stesso. Può persino farti venire voglia di comprare un’intera batteria di pentole, incluse una mountain bike, un ferro da stiro e Patrizia Rossetti. Ma la morte di Ileana è un caso a sé. Chi è Ileana?! Chi è Ileana?! Ileana è quella che Jacob va a recuperare in non-si-sa-Dio che posto sperduto dopo che qualcuno l’ha appena gonfiata di botte e la trascina sull’isola. E lei, cazzuta e convinta, quando spiega che "fidatevi di me, è per tutta la vita che sono stata addestrata solo per questo mom…. BOOM!

La prossima morte, seppure avvenga ben prima delle ultime elencate, è la migliore, il gran finale, quella insomma che in assoluto nella storia del piccolo schermo vince come “Best Morte più sfigata Ever”.

Solo due parole (che sarebbero tre, considerato il genitivo sassone): Dawson’s Creek, che da noi si può tradurre in “Dawson la checca”. Non sapendo più per quale motivo far piagnucolare l’orrenda checca bionda, decidono di farne morire il padre Mitch “cosa non farei pur di mangiarmi QUEL gelato” Leery che, di notte, sulle strade nebbiose del Maine (o di dove cazzo sono, non importa) canta a squarciagola con un gelato in mano. Ed è proprio per fare il pirla che nella foga delle sue mosse da cantante country, fa cadere il gelato. NUUUUUUUOOOOOO!!! Come rinunciare a una pallina di crema? Andiamo sotto il cruscotto a recuperarla premendo fortissimamente l’acceleratore, che tanto mica sbucherà un camion gigante dalla prossima curva.

Tamponato frontalmente da un camion, distratto dalla caduta del gelato in macchina.

Caro Mitch, ti preferivo quando vestivi i panni in ciniglia con i muscoli disegnati sopra di Flash.

Amen. Potete andare in pace.

Ah, sì, dimenticavo. Questo post contiene spoiler.

For Celebrations Past

2011-08-05T10:42:00.009+02:00

La settimana scorsa si parlava di qualcosa a tema musicale. Beh, dimenticalo. Pensa invece ai film fantascienziosi degli anni '80 come se fosse una collana di romanzi... Ecco, sì, più o meno una cosa del genere.

E tutto intorno pezzi di carne con gli occhi

2011-08-04T11:45:00.001+02:00

“Trovare il giusto equilibrio tra intensità e chiarezza è ben più di una sfida pratica. Dà eco a una più vasta spaccatura filosofica nella cultura del fumetto… tra la gioia di raccontare le storie con forte gusto personale, facendo sembrare nuove le storie vecchie, conducendo il lettore in una eccitante corsa e celebrando il virtuosismo della tecnica e la credenza che le storie più degne di essere raccontate, possano essere narrate senza fronzoli; che i personaggi e gli eventi in una storia saranno una ragione sufficiente per continuare a leggere, se la rappresentazione è chiara ed efficace”.

Queste parole di Scott McCloud, potrebbero benissimo essere usate come introduzione per “Trama – Il peso di una testa mozzata”, scritto e disegnato da Ratigher e uscito qualche mese per la genovese Grrzetic. Questo infatti è un libro che va dritto al punto, ti colpisce secco alla mascella, senza nemmeno avvertirti.

“Trama” te lo ritrovi fra gli scaffali di una libreria e lo senti mentre ti pianta il suo sguardo vuoto in fronte. Lo osservi, ti guardi attorno per capire se è te che sta fissando e per qualche secondo resti fermo, indeciso se sfogliarlo o no. Come Ego quando assaggia la Ratatouille, quando ho preso in mano il libro, la mia memoria è tornata indietro di circa vent’anni. Il vestito con cui si presenta ha una bella consistenza, forte e ruvida: la carta telata, il canalino della costa, le lettere impresse a caldo, mi ricordano qualcosa, vai tu a sapere che. Ecco, sì. I libri della Mondadori che da una vita si affacciano dalla libreria blu di mia madre.

Ma, attenzione, perché questo è un libro che ti tradisce: prima ti fa sentire a casa, poi te la svuota, ti mette a sedere a terra, in un posto scomodo e quando pensi che forse potresti anche finire per abituarti a quella scomodità, se ne va e ti lascia solo.

Giulio e Lavinia sono due ragazzi ricchi che devono andare a una festa. Ma non ci arriveranno mai. Colpa (?) di un mostro, anzi dei mostri, qualunque forma possano assumere. È una storia che corre diritta fino alla fine, sa benissimo dove andare e ci arriva come un treno in corsa, tra brusche frenate, accelerazioni improvvise e un finale da deragliamento completo.

Ratigher gestisce la vicenda con consapevolezza e lucidità, con una narrazione priva di fronzoli, con una regia che si muove solida scegliendo accuratamente immagini e parole. Lo si nota, come detto, dalla grafica di copertina, dall’uso della punteggiatura, dalle inquadrature semplici, chiare, pulite, dal segno lineare, quasi asettico.

Asciugato il contorno, quel che resta è tutta carne attaccata all’osso: una sequenza di scene disturbanti, nitide e deliranti che hanno il duplice compito di metterti a disagio come ogni storia horror che si rispetti e di regalarti ottimi spunti di riflessione.

Onestamente, puoi chiedere di più a un libro?

Ratigher lo trovi Qua. Il libro lo trovi Qui. E la Grrzetic la trovi Quo.

Smoke on the water, fire in the Sky

2011-08-01T14:43:00.004+02:00

Sai cosa mi piace di Sky?

No.

Beh, devi sapere che in mezzo al caos di Maisky, digital Chi? e tivvìondimend, il palinsesto dei film dalle undici e trenta di sera in poi regala una programmazione pazzesca di pellicole di culto, quelle da rivedere più volte, che ti stringono un groppo in gola in un misto di malinconia, romanticismo e nostalgia del tempo che fu… sì, insomma, quasi.

Sono gli spaventosamente ridicoli, balordi, scollegati, improbabili titoli dei film sporcaccioni che Sky propone agli insonni (quelli che trovi alla voce erotomani del dizionario) di tutta la penisola italica.

Proviamo ad analizzarli con ordine.

“Ad Adriana non manca la banana”: perché anche i fruttivendoli più marrazzi d’Italia sanno amare. Eccome se lo sanno.

“Ti Sfascio il Trans”: una storia di amore, colpa e lacrime. Del tipo che se fai un incidente con un brasiliano platinato che nasconde una sorpresa nelle sue micromutandine, prima ti scusi ammettendo di essere tu in torto e poi piangi perché a lui della constatazione amichevole non importa nulla.

“Da Marcello prendo solo la cappella”: E perché? Cos’ha Marcello che non va? Perché non prenderlo tutto?

“Culi Tedeschi in pericolo”: Achtung, achtung! Un pericolo minaccia gli amici teutonici: che nessuno si abbassi più a raccogliere niente, ché il rischio è bello grosso. In tutti i sensi.

“Quando le tette crescono”: E qua non è chiaro se intenda quella fase della vita in cui c’è uno sviluppo biologico oppure è Bruce Banner che incazzandosi diventa sua cugina She-Hulk.

“Nel Montana è sempre sana”: cosa? L’aria? La carne? Hannah? Su, coraggio, un po’ di chiarezza qua, altrimenti finisce che mi faccio confusione con questo.

“L’invasione delle 40enni porche”: Per gli amanti della fantascienza. Dopo ultracorpi, blob, predatori alieni, cervelloni verdi, robbò mutanti, e compagnia cantante, ecco l’orda di Milf assatanate. Chiudetevi bene in casa.

“Sapore di culo”: se c’è una cosa che ti fa passare qualsiasi voglia di vedere un film sconcio, è questo titolo.

“Vu’ trumbà?”: Nell’Italia di oggi, bisogna tenere conto di tutti i gusti: e con l’immigrazione che avanza e la crisi del lavoro che entra a gamba tesa, questo film riunisce popoli,nazioni e classi sociali.

“Lesbiche culone”: più che un film zozzetto, un insulto.

Il catalogo è lungo e sostanzioso (no, questo non è il titolo di un altro film) quindi credo che potremmo andare avanti a divertirci ancora per qualche tempo.

Same Old Shit, Different Day

2011-07-29T12:55:00.007+02:00

Beh, cos’è quella faccia? Non vi starete mica aspettando altri Minimal Poster?

Uhm… sì.

Sì, cosa?

Sì, si aspettano altri poster.

E chi l’ha detto?

Nessuno… ma non è puoi iniziare una cosa e poi abbandonare tutto a metà strada. Cioè, sto solo dicendo che la gente ora se li aspetta.

Chi? Ti ricordo che la media delle visite giornaliere è 13.

Beh, è pur sempre un inizio...

E la metà sono tue.

Lo vedi? Se postassi con più frequenza, avresti più visite.

Umpf… baggianate.

Sarà…

E va bene. Volete un poster minimale? Eccolo.

Questo non è un poster minimale. Questo è un fondo nero con una pecora bianca al centro.

Non lo conosci? È un film che parla del lato oscuro dell’animo umano che viene salvato da una pecora che parla con il linguaggio dei segni: sai, simboleggia una nuova speranza.

Non l’ho mai visto. Sei sicuro che esista realmente?

Ho l’edizione da collezione in Dvd a casa. Se vuoi, te lo presto.

No, grazie, però magari lo cerco su internet.

In ogni caso, se ti interessa c’è anche questo film. Il titolo italiano è “Ricomincio da Capo”, del 1993 con un Bill Murray al massimo della forma.

Preferivo quello della pecora.

Grazie.

Allora, ripasso la settimana prossima. Magari trovo altri poster, magari a tema musicale.

Fossi in te, non ci conterei...

Vabbè, io passo comunque non si mai… Anzi, magari passo pure prima.

Come ti pare.

No I won't be afraid, just as long as you stand, Stand by Me

2011-07-22T13:36:00.010+02:00

Proseguono i poster minimal, ispirati, ancora guarda un pò, dalle pellicole degli anni '80, per nostalgici doc. Si diceva settimana scorsa che mancavano grandi classici, e infatti eccoli qua: cominciamo prima però da un piccolo cult, non davvero conosciutissimo dal grande pubblico, almeno qua in Italia.

Princess Bride, ovvero "La Storia Fantastica", 1987. Il film si apre con il piccolo Jimmy, interpretato da quel Fred Savage di Wonder Years, serie tv di quelle che ricordate con i lacrimoni agli occhi, e il compianto Peter Falk. La locandina è un omaggio proprio alla scena iniziale.

Stand by Me, titolo originale della versione italiana di Stand by Me, 1986. Tratto dal racconto The Body di Stephen King, è il film che con quel suo finale vi fa piangere tutte le volte.

Back to the Future, 1985, 'nuff said.

Labyrinth, 1986. Jim Henson, il creatore dei Muppets, vi trasporta insieme a una giovane Jennifer Connelly nel mondo pupazzesco dei Goblin, governatore dal canterino David Bowie.

Indiana Jones e i Predatori dell'Arca Perduta, 1981, ha dato origini a così tante cose che a elencarle tutte facciamo notte, e domani è sabato e volete dormire fino a tardi.

Memories: make me want to go back there

2011-07-15T10:44:00.017+02:00

E via che proseguiamo con qualche altro bel poster minimale, ispirati, come i più attenti noteranno alle commedie (commedie? suvvia, qualcuno ha mai pensato che siano davvero - solo - commedie?) degli anni '80, quelle con cui sei cresciuto, ti sei innamorato, ci hai litigato e poi ti sei innamorato di nuovo.

Adventures in Babysitting, in Italia arrivato con il titolo di "Tutto quella Notte".

Una bella doppietta di film di John Hughes, entrambi con Molly Ringwald nel ruolo di protagonista.

I Goonies. Chi non li conosce, può uscire gentilmente il blog e lasciare le pattine all'ingresso.

Il titolo in italiano "Voglia di vincere" ha poco a che fare con quello originale, ma anche qua vale fatto il discorso fatto per i Goonies.

Mancano altre pietre miliari del genere, ma per quelle tocca aspettare fino alla settimana prossima.

Exit Music [for a Film]

2011-06-17T18:09:00.009+02:00

Cogliere l’essenza di un film in un poster in stile minimal significa amare e conoscere così a fondo quella pellicola da saper calibrare la giusta sintesi grafica con lo spirito più intimo che il film lascia impresso dentro di sé. Il sito http://minimalmovieposters.tumblr.com/ raccoglie centinaia di poster di diversi artisti, alcuni sono molto belli, altri lo sono decisamente meno.

Perchè non dare anche il mio contributo, allora?

A me ciam Bert

2011-02-11T16:02:00.003+01:00

Dietro Bobo mi nascondo, ma mi porto dentro Berto, zio di mio padre, fratello di mio nonno, del quale porto il nome che io, secondogenito, ho avuto per tradizione. Emiliano contadino, scapolo mezzo scemo del villaggio, uomo mite e buono, sgonﬁatore di damigiane, sempre in mezzo a risse e puttane, ma una era la sua morosa preferita, la Caterina, una donna tonda e ubriacona che lui dal paese, gonﬁo di vino, caricava sulle spalle per portarla nella stalla, e quando nel tragitto lei gli diceva “Berto ho da pisciare!” lui neanche si fermava e così le rispondeva “Piscia pure, basta che non caghi”. E così con questa precisazione lei gli lasciava sulla giacca il suo odore e il suo calore come un vino, che dal consumatore ritorna al produttore, come una gatta a segnare il suo territorio animale. Mio nonno Giuseppe, suo fratello, era tornato dall’America, dove era andato a far fortuna dieci anni giù in miniera (per morire un anno dopo il suo ritorno, di silicosi come premio) per comprare un po’ di terra ed un mulino e non aver bisogno di nessuno, specie della tessera del fascio per dover mangiare, perché il mulino da mangiar ne dava. L’Emilia nell’Appennino è terra dura, in salita, piena di sassi e forgiava uomini rozzi e grossi, e poi con la guerra fu ancora più dura perché lì passava la cosiddetta Linea gotica. I tedeschi in ritirata come bestie impazzite rastrellavano e ammazzavano famiglie intere, tra cui parte della mia. E così toccò anche a Berto, che col mitra puntato obbligarono a caricar sacchi e roba sui loro mezzi, lui mentre caricava con la rabbia, forse nascondendo la paura, così mugugnava e bestemmiava…: “Dio porc di un Dio boia! Catvengn un cànker in bocca, boia d’un Dio lader…” Non ﬁnì il calvario, prima lo fucilarono.

E così lo voglio ricordare come uno che bestemmiava, perché la vita era troppo ingiusta e dura e che forse quel giorno s’era alzato pure male e non aveva voglia di arrivare a sera. Quasi indifferente persino agli assassini, così, magari a non voler dar loro soddisfazione, chissà, a volerli ringraziare di liberarlo da una vita di letame e mosche e zappar nel sole, contro un Dio a cui neanche credeva ma che l’aveva messo lì. E se Dio c’è, certo lo perdona, e magari chiede pure scusa. E così dietro Bobo mi nascondo, ma dentro porto Berto. E quando mi dicono di stare coi più forti e i loro culi dover leccare, e sedermi alle loro cerimonie di vuote parole, io vedo facce che bramano potere, vedo le stesse, quelle che dan l’ordine di sparare.

E allora sento in me una voce che dice “a me ciam Bert! Bert Rundell” e comincio a bestemmiare!

Tratto dal libro "Compagni di Sangue" di Bobo Rondelli, Titivillus Edizioni, 2006

Something is not right with Me

2011-01-28T13:10:00.002+01:00

It's the dark side of the moon...

2011-01-24T12:53:00.010+01:00

In questi giorni trovate in libreria la mia ultima fatica, scritta insieme al mio amico Geronimo! Se volete saperne qualcosa di più, allora andate qua, qua e qua! In cabina di regia alla copertina, e naturalmente anche gli interni, i soliti ignoti: Ferron, Facciotto e Verzini.

Tutti i diritti sono di proprietà esclusiva di PIEMME.

Silence is Easy

2011-01-10T20:02:00.003+01:00

Avvicinarsi a un’opera come Blacksad non è un compito facile. Richiede calma, delicatezza e pazienza, riflettendo due volte prima di parlare. Il gatto nero di Canales e Guarnido è giunto lo scorso ottobre al quarto capitolo della sua storia, dopo un attesa di circa 5 anni dall’ultimo libro, “Anima Rossa”.

“L’inferno, il Silenzio” rappresenta un punto di svolta per il detective Blacksad e per i suoi lettori: si cambia città, da New York a New Orleans, ma a cambiare e in maniera significativa è il registro narrativo. Continui salti avanti e indietro nella storia vanno a incastrarsi come i pezzi di un mosaico che si può ammirare solo se visto a una certa distanza. Ma procediamo con ordine: si cita Sartre e la sua idea di inferno all’inizio del volume, una citazione che al momento resta fine a sé stessa, un po’ come l’intera storia. La storia, nella sua banalità, ricorda il primo volume ma al contempo se ne discosta anni luce. “Da qualche parte tra le ombre” è una storia cinica, cupa, dritta come un pugno alla base dello stomaco: non ci sono eroismi, non ci sono principesse, non ci sono happy ending. La linearità della vicenda serve da flusso canalizzatore (grazie Doc per questa definizione) per tutta quella sfera di sentimenti, pulsioni primordiali e animali, non è un caso che i protagonisti siano bestie antropomorfe, che covano in ognuno di noi e che ribollono dentro fino a esplodere. È un omaggio al genere hard boiled americano degli anni ’50 più puro, che diverte pur non arrivando ai maestri del genere, Hammett e Chandler in primis e poi i vari McBain, Ellroy e compagnia cantante. Se nei successivi volumi, “Arctic Nation” e “Anima Rossa” vengono esplorati altri campi e altre tematiche (il razzismo, la guerra e il senso di colpa che lascia) e le storie diventano più complesse, tese, ma sempre con quel fondo di amarezza tipica della solitudine, la semplicità della storia di questo quarto capitolo invece manca di questo tipo di contraltare forte: la tecnica narrativa degli stacchi temporali non funziona così bene, o almeno non ha un grosso impatto emotivo, e richiede una seconda lettura per capirne (e apprezzarne) le sfumature. La stessa trama è facilmente pronosticabile praticamente dalla prima tavola e segue di fatto ogni previsione concludendosi esattamente così come si era immaginato, o quasi.

Si direbbe che tanta attesa non sia stata giustamente ripagata. Si direbbe che Canales stavolta abbia sparato a salve, con una storia che colpisce senza lasciare segni o ricordi. Però… già, c’è un però: a personaggi come Blacksad bisogna dare una seconda possibilità. Bisogna dare del tempo per riprenderci confidenza dopo tanto tempo con li incontri. O forse si tratta solo di un bisogno personale nel non rimanere deluso da un personaggio a cui sono profondamente affezionato. Sta di fatto che rileggendo un’altra volta questa graphic novel l’ho guardata attraverso una nuova luce, l’ho filtrata attraverso quella citazione iniziale apparentemente utile solo come richiamo in quarta di copertina.

“L’inferno sono gli altri. Un’affermazione brillante, ma credo che rifletta più uno stato d’animo che una verità universale”. Scorrendo sotto le dita ogni vignetta, ogni tavola, rileggendo con attenzione e poi spostandosi, guardando da lontano, si può vedere il quadro dell’insieme. Guardando oltre la fragilità della trama messa in piedi, ci si accorge che il tema di questo libro è proprio l’inferno. Cosa viene definito come inferno? Ogni personaggio viene messo di fronte alle sue debolezze, al suo personale inferno: per Little Hand Fletcher il suo inferno sono le droghe? Per Faust Lachapelle è il cancro? Per Blacksad è la morte? E per ME? Cosa è l’inferno per me? Un luogo desolato e fiammeggiante, con dei diavoli mezzi nudi che mi punzecchiano le chiappe? Non credo. Uno stato d’animo, una sensazione di vuoto, l’assenza di qualcuno o qualcosa? Può essere. Sia quello che sia è in questo dettaglio minuscolo che la storia di Canales abbandona la pagina e s’inserisce nel lettore. Se vi va potete scegliere di partire da qua, altrimenti quello che vi resterà sarà una buona storia, senza infamia e senza lode.

Ad arricchire il tutto, ma non c’è nemmeno bisogno di dirlo, è la straordinaria potenza visiva di Juanjo Guarnido, uno che ha strappato le mani a Dio e le usa per trasformare dei segni su carta in opere d’arte. Se penso che i quadri di gente come Fontana vengono custoditi in un museo e pagati a peso d’oro, mentre di questo signore nessuno ne parla, mi sento male. Così come per la storia, anche per i disegni, sempre impeccabili, l’espressione massima del lavoro di Guarnido si concentra sui dettagli, sui secondi piani. Gesti, posture, espressioni, movimenti delle mani: non c’è una sola riga che sia fuori posto, un personaggio, primario o secondario che sia, che non funzioni a meraviglia, un colore inesatto.

Guarnido afferra la perfezione e la fa sua, ogni altra parola è di troppo.

The French Bastards

2011-01-08T16:21:00.008+01:00

Infilatevi le cuffie migliori che avete.

Indossate il paio di occhiali da sole più tamarri che avete, preferibilmente tipo quelli di Venditti.

Comprate una 44 Magnum e infilatela sotto la maglietta, all’altezza del fianco destro, facendo però attenzione che la pistola sia comunque ben visibile.

Uscite di casa.

E sparate il volume alla modalità “esplosione coclea”.

Poi non dite che l’anno non è iniziato bene.

Run for your Life

2010-12-03T16:44:00.009+01:00

Anche se ci ho perso dietro quasi un anno e mezzo di lavoro fra la sceneggiatura e tutto quello che è successo dopo.

Anche se il mio nome non appare nell'articolo.

Anche se il mio nome non apparirà in copertina.

Anche se il mio nome appare in piccolo, tipo scritte legali, all'interno del volume.

Di QUESTO lavoro, un pezzetto del merito è anche mio. E me lo prendo di diritto.

What If God was one of us

2010-11-19T11:49:00.000+01:00

...And we drove every nail of that old coffin for the trench.

2010-11-10T17:03:00.007+01:00

Questa è una vecchia storia che per molto tempo si è nascosta tra le pagine della mia Moleskine e che dopo mille indecisioni, ho deciso di pubblicare...

A me ha sempre fatto sorridere.

Perchè volevi il mare, o almeno quel che poco che basta, ma è una delusione come Satana e quasi tutti i giorni di festa

2010-11-02T13:23:00.005+01:00

La vita è un’illusione. La felicità, l’emozione di un nuovo incontro, la piccola fiamma che scalda il cuore nelle notti più fredde, sono attimi. Attimi che scivolano fra le mani come granelli di una sabbia troppo sottile per essere afferrata. È questo l’ultimo insegnamento di Jacques Tati, la cui sceneggiatura viene ripresa da Sylvain Chomet e trasformata ne “L’Illusionista”, la sua ultima opera dopo “Appuntamento a Belleville”. Spesso, troppo spesso, sono gli oggetti, un cappotto, un paio di scarpe, a ridarci gioia e speranza in momenti bui, ma il tempo ci coglie nudi, impreparati, di fronte alla verità. La verità che quella felicità è passeggera, è frutto di un’illusione, di un inganno che nessuno ci restituirà più. La galleria di personaggi che attraversano il film vive il riflesso di una società che sta cambiando e che sta tagliando fuori chi resta indietro, chi non ha affronta la realtà preferendo rifugiarsi in un mondo di fantasia: un clown che, al suono dei motivetti del suo circo, cerca il suicidio, senza mai riuscirci. Un burattinaio, uguale al suo burattino, che trova consolazione solo sul fondo della bottiglia. Chi corre, senza fermarsi, sopravvive, tira avanti, strozzando i propri sogni senza guardarsi indietro.
L’illusionista protagonista della pellicola è un uomo ormai sul viale del tramonto, inadatto e fuori dal tempo in cui si trova (come in una beffarda illusione), che si riscopre incapace di calamitare grandi folle ai suoi spettacoli e di essere sorpassato da cantanti dall’andatura ancheggiante e da giovani star del rock che fanno impazzire tutte le giovani londinesi. Senza più un teatro che lo accolga, in compagnia della sua unica spalla, un coniglio ostile e sfuggente, per l’illusionista non resta altra che soluzione che andarsene, alla ricerca di qualche posto che lo accolga, piccoli caffé, pub, teatri di provincia. È proprio in uno di questi luoghi che incontra Alice: la giovane fa le pulizie in un piccolo bar scozzese. Tra i due nasce un’alchimia fatta di silenzi, sguardi, trucchi e sorrisi e quando è il momento di ripartire, alla volta di una Edimburgo che sembra quasi Parigi, l’illusionista la trova al suo fianco, finendo per dividere con lei una piccola stanzetta in uno squallido alberghetto. Lo stupore di un gioco di prestigio, la piccola magia che si crea sotto i riflettori di un palco davanti a una tenda rossa, la voglia di lasciarsi ingannare e di vivere per un solo istante in un mondo dove l’impossibile diventa possibile, sono spariti: a nessuno o quasi interessa più e le poche entrate nelle tasche del protagonista finiscono per essere spese in regali ad Alice. Ma così come il fumo di una candela è destinato a bruciare in breve tempo, anche ogni voglia esaudita e soddisfatta è presto rimpiazzata da un nuovo oggetto del desiderio. Spente le luci di scena, l’illusionista s’improvvisa meccanico pur di far rivivere il sorriso sul volto di Alice ma ogni suo tentativo si rivelerà vano e di corta durata. Gli ottanta minuti scarsi di celluloide ci conducono per mano fino al definitivo raffronto con la realtà: l’umiliazione più grande è quella di mettere in atto la sua arte illusoria a scopo pubblicitario, in una vetrina di un grosso centro commerciale, e infine la scoperta che Alice si vede con un ragazzo della sua stessa età. Bisogna saper abbandonare la partita quando si ha ancora la dignità indosso ed è giusto lasciare che ogni cosa segua il suo corso, accettare con coraggio la sconfitta e farsi da parte. La stessa Alice, ormai lontana dalla giovane ragazza che faceva le pulizie in un gelido pub su un’isola scozzese, non si accorge di quanto sia cambiata fino a quando una fredda notte di pioggia non rientra a casa e si scopre senza difese davanti alla realtà dei fatti. In quel momento assistiamo alla perdita di quell’innocenza giovanile che finora l’ha resa cieca: ora non resta che riprendere la valigia e andarsene sotto braccio con il proprio uomo, senza sapere come andare avanti. L'Illusionista è una presa di coscienza: dei suoi protagonisti, che intrecciando le loro storie, capiscono l'uno che il proprio tempo è finito e l'altra che capisce che il suo tempo sta cominciando e non si può più pensare solo ai propri svaghi.
Chomet imbastisce con poesia una storia difficile, dura, trattandola con i toni di una commedia che pian piano s’incupisce senza perdere di vista la propria vena ironica. La sconfitta di un uomo che, giunto alla vecchiaia, si trova “allo specchio” è trattata con molto rispetto, con la stessa eleganza e sobrietà che si convengono solo ai registi migliori. Sarebbero molte le scene da citare, la moneta dietro l’orecchio, Alice che non si avvede della sua stessa “erede”, l’addio sulla collina, il bassotto a due zampe, la bambina che perde la matita sul treno, che prese singolarmente sono già dei piccoli gioielli, ma che proprio nel loro amalgamarsi traghettano l’opera ad un livello di gran lunga superiore. Siamo ai livelli dei migliori film Pixar, senza però la patina commerciale che questi si trovano a doversi portare appresso. Come sempre nelle opere di Chomet il parlato non ha valore alcuno, anzi è più uno spunto per creare situazioni buffe che non per aiutare a gestire gli snodi narrativi del racconto: quello è tutto delegato all’espressività dei caratteri, alla loro gestualità, le loro posture, ridicole, esagerate ma tremendamente autentiche. La scelta consolidata di un’animazione in 2D, aiutata talvolta da un utilizzo di un 3D su alcuni movimenti di camera, contribuisce al meglio nelle atmosfere così vive eppure così poco sature di colore: i complementari si sfidano in un gioco di ombre e penombre dai tratti grezzi, macchiati e sporchi. Da tempo sostengo che Chomet sia il nuovo Burton: ora, Burton è uno dei miei personali padri spirituali per la sua logica non-sense, ma da anni si è adagiato su degli schemi e dei meccanismi predefiniti. Ormai da lui ci si aspetta un certo tipo di storia, dal look cupo e macabro, con dei personaggi più o meno bizzarri che facciano cose strambe e assurde. Ha perso tutto lo smalto e lo spessore delle sue opere migliori, ha smesso di ricercare per accontentare il grande pubblico. Chomet con la sua intimistica visione del mondo e il suo approccio al racconto, ricorda molto il Burton degli inizi, per lo stessa sensibilità nel trattare le storie e i personaggi, degli out-sider che si trovano a fare i conti con sé stessi e il mondo che li circonda. Fra dieci, quindici anni, magari anche il regista canadese farà lo stesso errore ma per ora è meglio farsi trascinare nelle sue straordinarie opere che pur lasciando un groppo alla gola e un sapore di amaro sulla lingua, ti fanno stare bene, senza la sensazione, a luci accese, di essere stato ingannato dal trucco di un mago.
Del resto, la verità è scritta a chiare lettere sull’ultimo biglietto che l’illusionista lascia ad Alice in quella notte piovosa: Magicians do not exist.

...And isn't it ironic?

2010-10-28T12:02:00.003+02:00

And everybody used to call you lucky when you were young

2010-10-08T14:44:00.004+02:00

Chi l'ha detto che la fortuna è cieca?!

Apocalypse Please

2010-10-06T18:15:00.007+02:00

A essere scettici, francamente, non si sbaglia mai. Anzi, quasi mai. È il caso questo di Umbrella Academy: una mini a fumetti di sei numeri, disegnata dall’astro nascente brasiliano Gabriel Bà. E fin qui non ci sarebbe nulla di strano. Se non che ai testi troviamo Gerard Way: un nome che ai più risulterà anonimo: infatti questo nome è ben più conosciuto in un altro ambito, quello musicale. Way è infatti il cantante dei My Chemical Romance, gruppo pop-emo-teen, uno di quei gruppi che “no, cioè noi siamo diversi, siamo ribelli, anzi, ribbelli, noi ci distinguiamo dalla massa con i nostri capelli piastrati e i pirzing in bocca tutti uguali, lasciateci in pace e fateci vivere le nostre emozioni liberamente”. Quando mi sono trovato di fronte in libreria a questo volume, edito in Italia da Magic Press, ne sono stato subito attratto per i disegni convincenti di Bà, che ricordano il Mignola degli inizi, e per una premessa narrativa che non brilla certo per la sua originalità ma che allo stesso tempo insinua una buona dose di curiosità nel lettore. Stupisce leggere in quarta di copertina che questa serie, nel 2008, ha vinto un Eisner Award per la miglior serie limitata: il tarlo di non trovarmi di fronte a una mera operazione di marketing per far vendere a orde di giovani biadesivi piastrati, ormai è entrato nella mia testa. E fortunatamente il tarlo aveva ragione.

La sequenza iniziale si apre con una gomitata atomica volante durante un incontro di wrestling spaziale per poi proseguire poche pagine più tardi e arrivare al giorno in cui la torre Eiffel impazzisce, e scoprire così che lo zombirobot Gustav Eiffel la sta comandando dall’interno. C’è poco da dire o da lamentarsi, il cantante dei My Chemical Romance è un signor scrittore: non ci avrei scommesso nemmeno un euro, eppure ci si trova di fronte ad un’opera divertente, incalzante, ironica e talvolta oscura. La serie regala tratti di grande intrattenimento divertendo senza mai prendersi (troppo) sul serio: gli snodi narrativi sono articolati in maniera intelligente e non mancano nemmeno spunti e riflessioni su i grandi temi della vita (e della morte). Quarantasette donne danno alla luce, senza alcun preavviso, dei figli: di questi, sette, vengono trovati, riuniti sotto lo stesso tetto e allevati dal padre padrone Lord Hargreeves, con un unico scopo, quello cioè di salvare il mondo. Da chi e da cosa non si sa bene di preciso ma i sette bambini, dotati di superpoteri, nel corso della loro vita si confronteranno con il mondo esterno e soprattutto con il mondo interno, quello della loro famiglia. Alla morte del loro padre/mentore Hargreeves i bambini, ora diventati uomini e donne, hanno intrapreso strade diverse che li hanno allontanati, divisi. Ma la vita ci insegna che si può scappare da tutto e da tutti, persino da sé stessi, ma mai dalla propria famiglia: ecco quindi che i protagonisti si troveranno di fronte a un duro faccia a faccia, ognuno con i propri fantasmi e la propria vita da raccontare. La storia di qualsiasi famiglia è fatta di confronti, amori, rivalità e odio e talvolta di indifferenze: e quella de La Suite dell’Apocalisse non fa eccezione. Siamo ancora lontani dalla creazione di un’opera che resterà impressa nella memoria del fumetto, si tratta pur sempre di un esordio che non può che rivelare il suo lato più acerbo, ma con questa miniserie vengono poste le basi di quello che potrebbe rivelarsi uno dei più originali e divertenti sceneggiatori del domani. La morte, i rapporti fra i membri di una famiglia molto allargata, il destino sono i temi che reggono la miniserie, le chine sporche e i colori molto poco saturi contribuiscono insieme alla sceneggiatura a permeare l’atmosfera di una sottile carica di ironica oscurità: un senso dell’umorismo amaro, allo stesso tempo molto fresco ed essenziale, che si racconta con la leggerezza di una nota di violino. Ammetto che forse la scarsa aspettativa iniziale ha contribuito a un maggiore entusiasmo dopo, ma nel complesso, la Suite dell’Apocalisse, è un bel fumetto, ben scritto e ben disegnato che convince e diverte: se Way dovesse tornare alla nona arte, e mi auguro sinceramente che lo faccia presto, sarò indubbiamente uno tra i suoi fan. A meno che questo non voglia dire che dovrò far crescere un bel ciuffo nero corvino da piastrarmi, o piantarmi un piercing sulla lingua: perché allora sì, quello potrebbe essere per davvero l’annuncio di un Apocalisse.

Maggie's Farm

2010-09-30T14:14:00.005+02:00

Ah! Ve li ricordate quei cari vecchi film di una volta? Quando prima di uscire ci mettevamo il completo buono, e ci passavamo chili di frizione per capelli in testa? Quando per qualche nichelino potevi vedere due spettacoli e persino il notiziario...

Hero of the Day

2010-09-21T17:46:00.006+02:00

Da questa settimana potete trovare in libreria l'ottavo capitolo dei Supereroi, scritto da me... insieme a Geronimo Stilton, ovviamente! Se invece siete dei pigroni, potete anche acquistarlo on-line qua, dove potete anche leggervi prima un estratto del libro! La copertina è di quel magico trio che risponde ai nomi di Giuseppe Facciotto, Flavio Ferron e Daniele Verzini!

Tutti i diritti sono di proprietà esclusiva di PIEMME.

I love you, I'm gonna blow up your school

2010-09-17T10:36:00.003+02:00

Tempere al guazzo, matitaccia e acquarello su carta riciclata....

No, okay, sono sincero: ArtRage e Photoshop.

More Human than Human

2010-09-14T19:10:00.006+02:00

Robert Kirkman negli ultimi si è imposto nel panorama del fumetto americano e mondiale come uno dei più innovativi sceneggiatori degli ultimi dieci anni. Infatti se gli anni novanta sono stati il trampolino di lancio di un signore britannico che risponde al nome di Garth Ennis, gli anni doppio zero hanno visto la nascita del pacioso Kirkman: esattamente dieci anni fa questo ragazzotto classe ’81 esordiva nel mondo dei fumetti con il delirante Battle Pope, la storia di una papa alcolizzato e violento, autoprodotto dalla sua Funk-O-Tron insieme all’amico Tony Moore. Il ragazzo promette bene, così l’Image Comics lo mette sotto contratto: Kirkman risponde all’appello con il suo folgorante Invicible, che continua tutt’oggi, che riesce nel difficile compito di dare nuova linfa vitale al genere superomistico. Nello stesso anno, il 2003, Kirkman firma, di nuovo in coppia con Moore (e poi con Charlie Adlard), The Walking Dead. Se con Invincible dà prova di essere un autore ispirato, con la saga di Rick Grimes e soci, dimostra di essere fra quel pugno di sceneggiatori da consegnare alla storia. Nelle sue intenaioni, lo sceneggiatore voleva creare “una storia di zombie che non finisse mai”, stufo della tradizione cinematografica che racconta solo uno stralcio della vita dei protagonisti dei film di zombie. Non sai mai come andrà a finire, o cosa succederà dopo. Con Walking Dead il problema non si pone. Raccontare la trama di questa serie è utile tanto quanto mangiarsi un cotechino per dimagrire: dire che si tratti di fumetto solo sugli zombie equivale affermare che Lost sia una serie solo di fantascienza (Remember. Let go.Move On.). C’è molto di più: Rick Grimes, protagonista della serie, cade in coma e tre settimane più tardi, al suo risveglio, il mondo per come lo conosceva lui, e tutto il resto dell’umanità, non esiste più. Attorno a lui solo morte e desolazione. E zombie. In cerca di altri sopravvissuti si dirige ad Atlanta, solo per scoprire che anche nelle grandi città la situazione è la medesima e l’incontro fortuito con Glenn lo porterà a ritrovarsi con un gruppo di superstiti, tra cui la moglie, il figlio e il suo migliore amico. Ben presto la compagine cerca di adattarsi alla nuova vita, con lo spirito di chi si perde tra i boschi per una notte: si vive il brivido dell’avventura ma si sa che per l’appunto di avventura si tratta e che nel giro di un giorno le cose tornano alla normalità. E invece no. Non c’è nessun esercito che entra festeggiando nelle città, non c’è nessun elicottero della protezione civile a tirarci fuori dalla pioggia e dal fango.

Quella di Walking Dead è una parabola della società e di come l’uomo prima nella sua solitudine e poi in mezzo al branco si trovi ad affrontare l’inaffrontabile. La vita di tutti i giorni si trasforma improvvisamente in un incubo cieco, dove ricominciare partendo da zero, anzi, da meno zero. In un mondo sotto sopra bisogna imparare a sopravvivere, a prendere il controllo della propria vita e divenire il capitano della propria anima (e magari anche di quella altrui), talvolta rendendosi conto di quanto prima la vita fosse uno scorrere di giorni uno di fila all’altro. Gli zombie, i vaganti, assurgono al ruolo metaforico di una crisi globale passata inosservata fino a quando non scoppia fra le mani, quando ormai è troppo tardi: lo zombie non è come il vampiro, una singola entità in grado sì di far male, ma pur sempre unica. No, gli zombie, sono una massa, un’onda, un’unica gigantesca macchia che non puoi lavare via nemmeno sfregando via la pelle. Lo zombie fa paura come quel barbone che hai sotto casa e non se ne vuole andare: non lo guardi e ne stai alla larga perché hai paura un giorno di diventare come lui, se non peggio. E allora giù botte e fiamme, nella speranza che la sua malattia non infetti anche te o i tuoi cari. Lungo il corso degli eventi l’unica, lucida, illuminazione di Rick Grimes riguardo a sé stesso e ai suoi compagni ci sbatte in faccia la verità: i morti viventi non sono gli altri, gli zombie, no. Sono loro stessi. I sopravvissuti vivono sapendo che nulla li verrà a salvare, che se oggi l’hanno scampata , domani potrebbe non essere lo stesso: vivono in attesa un giorno, vicino o lontano, di divenire anch’essi parte di quell’onda malata fatta di carne marcia e budella spugnose. Ma non basta. Non basta nemmeno sapere che fra chi rimane, c’è chi sa essere più cattivo degli zombie stessi (la scena dello stupro di Mishonne per mano del Governatore è una delle sequenze più sadiche e stilisticamente meglio sceneggiate degli ultimi dieci anni). Ma allora perché gioire nel trovare un rifugio e una nuova casa in un carcere incontrato sulla strada? Dov’è il senso in tutto questo? Istinto di sopravvivenza, certo. Ma è la speranza che tiene accesa l’umanità dei protagonisti di Walking Dead: la speranza di poter anche solo tornare a una parvenza di normalità, godendo di piccoli miracoli quotidiani, come farsi una doccia, cambiarsi d’abito, persino ascoltare musica. La speranza, a volte ingenua, a volte invece così vicina, di vedere di fronte a sé un futuro: non importa quale sarà, l’importante è lottare per conquistarlo. Fosse pure soltanto per un giorno in più.

P.S. In Italia la serie è pubblicata dall’ottima Salda Press che proprio grazie al successo di Walking Dead ha dedicato un’intera sezione a tema zombiesco pubblicando anche Fragile e Raise the Dead. A ottobre in America, e a novembre in Italia, uscirà sul canale AMC la serie tv tratta proprio da Walking Dead: le premesse ci sono tutte, e tutte di grande spessore. Frank Darabont e lo stesso Kirkman (che nel frattempo è diventato uno dei soci dell’Image) come produttori e sceneggiatori, il primo firma la regia anche del primo dei sei episodi da un’ora che completano la prima serie (le riprese della seconda stagione, già confermata, avranno luogo a febbraio del prossimo anno). Nel team di sceneggiatori e registi figurano nomi importanti nel mondo del piccolo schermo, molti dei quali provengono da eccellenti serie come The Shield, Breaking Bad e Dexter.

You ain't No Friend of Mine.

2010-09-10T12:41:00.016+02:00

Lungo la strada polverosa e grigia della squallida provincia americana, tra scheletri di bufalo, corvi solitari e nuvole dense come sacchi di farina, corre un autotrasportatore dell’azienda Mesmo Delivery, il cui carico non deve essere MAI aperto: intesi? Alla guida del camion c’è un ex-pugile professionista, grosso quanto un orso bruno prima di entrare in letargo, con un capellino in testa che gli incolla i lunghi capelli unti alla fronte: di fianco a lui, mentre guarda lo spettacolo desolato ha di fronte a sè, cantando in sottofondo una delle canzoni di Elvis, c’è Sangrecco: lui Elvis lo conosce piuttosto bene, è un suo sosia, ma non diteglielo. Perché lui vi direbbe che è meglio di Elvis. Le lunghe basette bianche che si arrampicano lungo il suo volto scavato sono lì a dimostrarlo. Le ore alla guida piegano umore e schiena, inoltre Sangrecco non guida: non ha la patente, lui, perciò meglio approfittare della prima tavola calda per una pisciata e magari per mettere qualcosa sotto ai denti. Nella realtà deprimente e appiccicosa di ciascuno dei personaggi la sola via di fuga è la rabbia: una rabbia figlia della noia e della frustrazione. Cane mangia cane e chi azzanna per primo ha più possibilità di sopravvivere, senza guardare in faccia nessuno. Rufo, pugile fallito, si muove per le tavole come uno zombie, solo per forza di inerzia, sorretto solamente dal passato, dalla gloria che fu e che ha sfiorato: oggi, un ricordo che non se ne vuole andare, anzi, preme sotto pelle in cerca di riscatto (“Tiriti su, Critino!”). Ed è questo bisogno impellente di non sentirsi uno sconfitto dalla vita, che lo spinge ad accettare di fare a botte con uno psicopatico che al posto di una mano, si è fatto montare un pugno gigante, “come quello dei cartoni animati”. Il naturale corso degli eventi ci porta a una escalation di carne e sangue, di follia e di odio estremo.

Mesmo Delivery, opera prima dell’autore brasiliano Rafael Grampà, non spicca, diciamocelo, per originalità o una storia particolarmente folgorante eppure questo fumetto riesce a tenere incollato il lettore alla pagina. Tecnicamente ineccepibile, nel lavoro di Grampà è forte l’influenza del mondo underground degli anni ’80, su tutti Crumb e Corben, senza ovviamente tralasciare le lezioni impartite da Miller nel suo Sin City, ma non solo: si respira Lansdale da queste parti, Tarantino potrebbe trovarsi alla prossima stazione di servizio. Grampà possiede una meccanica narrativa che porta a una scompozione della pagina decostruendo vignette, ricche di dettagli e segni, sporchi e bastardi, fino all’inverosimile. L’impatto emotivo del segno travalica quello più prettamente tecnico di una storia di media qualità: le tavole si muovono con lo stesso passo sincopato e molleggiato di Elvis Presley. Il punto di forza di Grampà è proprio quello di riversare dentro il racconto tutta la sua anima, quello di parlarci con la faccia di chi ci assomiglia, che non sarà certo bella, ma quantomeno è sincera. L’impossibilità di avere un pubblico per l’arte di Sangrecco suscita un paragone con l’arte dello stesso autore in un gioco nascosto di rimandi: eppure ho la certezza che di questo autore, di Sangrecco, della Mesmo Delivery e dei suoi carichi che non vanno MAI aperti, ne risentiremo parlare presto e allora sì che il pubblico ci sarà. E in massa. E allora sì che sarà un vero bagno di sangue.

Ci volete scommettere cinquanta dollari?

In the Forest

2010-07-30T12:56:00.004+02:00

Erano assenti da un po', ma i protagonisti di MonO [Lamiavitaèunamerda] sono più vivi che mai, anche se dopo questa non saranno così in salute...

(questa volta doppia citazione musicale... un pupazzo a chi indovina!)

Wolverine Blues

2010-07-14T11:58:00.006+02:00

Tommasoooooo! Già che sei qua, perché non mi aiuti a togliere i nodi alla gatta?

Veramente io starei…

Dai, che ci mettiamo cinque minuti!

Mà, guarda che tanto non ci sta la gatta a farsi tagliare via i nodi! Lo sai!

Ma figurati! Basta che la tieni ferma per le zampe!

Uhm… Vabbè…

Ecco, dai! Afferrala!

Okay, ce l’ho! La tengo, però fai in fretta!

Su, su… dai, Wendy, stai buona, ecco… coooosì… via uno…

FFFFFFHHH!!!

Mà, muoviti, non vedi che soffia!?

Sì, ma capirai, mica ti fa niente!

FFFFFFH!!!

Oh, allora, Wendy! Buona! Guarda abbiamo quasi…

MEEEEOOOOWWRLRLR!!!

- STRAP! –

Ecco, lo vedi? Te la sei lasciata sfuggire!

...

.....

........

Eh sì, mà… hai proprio ragione.

Underneath the waves

2010-06-28T14:53:00.000+02:00

I wanna make it wit 'chu (anytime, anywhere)

2010-06-17T12:40:00.005+02:00

Una delle prove per una copertina mai andata in porto...

(Ed essendo il tema cucina/mare, direi che questa è l'espressione più appropriata...)

Miles Davis and the Cool

2010-06-14T11:25:00.002+02:00

So why don't you sing to me on this long drive home?
Let the sound of your voice sway sweet and slow.
As we go down, down, down.
From our youth to the ground.
Down down down.
From our youth to the ground
We might always be blue.

Across the sea

2010-06-09T13:04:00.001+02:00

Lost in Hollywood

2010-06-03T15:30:00.004+02:00

Uhm... Il suo nome è Scary Grant... è una lumaca. Almeno...credo.

Uhm...It's name is Scary Grant... it's a slug. Well... I think it is.

A Star is Born

2010-06-01T13:10:00.001+02:00

God is in the Radio

2010-05-24T12:42:00.003+02:00

Sogni o bisogni?

2010-05-20T11:58:00.000+02:00

Sad

2010-04-22T14:44:00.003+02:00

Come le cellule monocellulari di MonO, anche il loro creatore è in continua evoluzione, alla ricerca di uno stile che mi convinca... direi di essere arrivato ora a una soluzione che mi piace, in attesa ovviamente di cambiare un'altra volta (ma speriamo neanche)!

Bloodhounds on my trail

2010-04-21T10:54:00.006+02:00

Questo giovinotto anonimo farà strada. Mi ha dato e continua a darmi un sacco di idee e consigli davvero utili sul disegno, perfino quando sta in piedi fino alle cinque del mattino, tra un video di Rosaria Mannino e quest'altro.
La sua versione di Mono è veramente bella, ma una delle cose che preferisco è questa qui!

Wind's Dark Poem

2010-04-13T16:21:00.003+02:00

Calm like a Bomb

2010-04-09T12:40:00.003+02:00

Circa un mese fa lì avevamo lasciati alle prese con un'altalena... scopriamo ora le conseguenze!

Un Dernier Verre (Pour La Route)

2010-04-07T11:46:00.003+02:00

Ci sono storie capaci di insinuarsi lentamente dentro di noi. Si annidano nelle zone più nascoste della nostra coscienza e si fermano lì, senza inutili clamori o maremoti emotivi: sono quelle storie che credi di leggere molto velocemente ma poi, a distanza di giorni, settimane mesi rispuntano fuori. Senza un come o un perché. Magari mentre stai stendendo il bucato della sera prima, oppure mentre stai sentendo una canzone e fuori il sole spunta da un banco di nuvole. È in quei momenti che quelle storie ti assalgono, ti colgono alla sprovvista e ti lasciano lì, congelato, in attimi di splendida immobilità e nemmeno ti accorgi che stai sorridendo o stai pensando a uno dei tuoi più cari ricordi d’infanzia. È con questa premessa che accolgo le opere di Shaun Tan.

La mia storia con questo autore risale a qualche anno fa: una delle prime volte che andai a Barcellona, trovai in una libreria “The Lost Thing”: mi colpì per la cura del dettaglio in ogni singola pagina, dalla copertina, passando per i risguardi, il frontespizio, la quarta di copertina. La storia poi, in inglese, era fresca, ricolma di un immaginario avvolgente, capace di catapultarti all’interno delle pagine, di farti sentire uno degli oggetti smarriti del titolo. Ritornato in Italia ho provato a cercare qualcosa di suo in libreria ma sembrava che, proprio come i suoi racconti, Shaun Tan fosse uno di quei sogni che svaniscono nel dormiveglia. Fino a un paio di anni fa. In libreria infatti uscì “L’approdo”: ed è stato il successo. Per una semplice ragione: Shaun Tan sa scrivere storie per bambini che per bambini non sono. Sono storie tenere, delicate, intrise di quella leggerezza malinconica, che si posa come un velo invisibile sul lettore. Un adulto si spoglia di qualsiasi differenza rispetto ad un bambino davanti a questo libro, ritorna a un’età indefinita. E allora senza utilizzare le parole l’autore ci racconta di un uomo che lascia tutto per trovare tutto. Poi basta dire che è una graphic novel, anzi UN graphic novel (…) e allora l’attenzione dell’universo si catalizza sul prodotto: ma questa è una mia lotta personale sulla terminologia moderna che non c’entra con questa opera che si merita qualsiasi attenzione possibile. Recentemente è uscita l’edizione italiana di “The Lost Thing”, “Oggetti smarriti” che inaspettatamente contiene un altro racconto: “L’albero rosso”, una perla di rara bellezza surreale. “Piccole storie di periferia”, edito in Italia da Rizzoli è invece una raccolta di racconti brevi che miscelano parole e immagini come solo pochi autori riescono a fare: ci sono un bufalo indiano in fondo alla strada, un esserino di nome Eric, viaggi pericolosi e oltreconfine (quale poi il confine, in un mondo di immaginazione?), tartarughe da salvare e altro ancora.

C’è odore di ricordi in queste storie. Odore di nostalgia. Odore della muffa in cantina. Avrei davvero voluto leggere questi libri da bambino, anche se forse leggerli ora mi ha riportato indietro di vent’anni, mi ha riportato alle mie estati in campagna dove non c’era altro da fare che leggere o giocare a pallone e la sera attorno c’erano solo buio e cavallette.

Un’ambientazione perfetta per un racconto di Shaun Tan.

Get a Job

2010-03-23T13:16:00.001+01:00

Mr. Moustache

2010-03-15T11:26:00.005+01:00

Mr. Moustache è un tipo riservato, ma perchè il suo sguardo è così sospettoso? Cosa avrà mai da nascondere? E perchè è ancora in vestaglia?

I've come back to the places I had run from...

2010-03-10T11:00:00.008+01:00

Questa settimana in tutte le librerie troverete questo:

Si tratta del mio primo libro scritto per il Battello a Vapore, è la storia di un panda che viaggia per il mondo alla ricerca di qualcosa... Se la troverà oppure no, lo scoprirete solo leggendo!
Le illustrazioni sono di Gabriele Antonini a cui va un sentito ringraziamento per aver fatto un lavoro ottimo!